Jules Rewinds
La genèse du film et une promo marketing trompeuse
La genèse du roman repose sur un événement réel survenu en 1974, lorsque la meilleure amie du fils de l'auteure a été tuée par la foudre. Le Royaume de la lumière (le premier titre français du roman, ensuite réédité sous le titre Le Secret de Térabithia après la sortie du film) avait alors pour but d'aider son fils à surmonter son deuil. Il me semble que peu de gens le savent, mais le film de Csupo est la deuxième adaptation du roman. En effet, une première adaptation en téléfilm a été réalisée en 1985, avec Annette O'Toole.Au moment de la sortie du film, tout l'aspect promotionnel et marketing du film a été jugé trompeur. En effet, toute la promo, ainsi que l'affiche du film, laissaient penser que Le Secret de Térabithia était un film fantastique se déroulant dans un univers peuplé de créatures magiques. En réalité, le long-métrage est un drame, et les éléments fantastiques sont très subtils et sortent tout droit de l'imagination des deux personnages principaux.
L’importance de l’amitié et des liens familiaux
Le film dépeint la naissance d'une belle amitié entre deux jeunes adolescents délaissés par leurs parents et liés par leur solitude commune. Pour échapper à leurs problèmes, ils créent un monde magique dont ils sont les souverains. Ce monde prend vie sous leurs yeux, mais aussi sous le regard du spectateur. Ils se rapprochent grâce à leur singularité. Jess est un garçon introverti qui est persécuté par ses camarades de classe, tandis que Leslie est la nouvelle élève extravertie et pleine de vie que tout le monde considère comme étrange. On les voit s'élever l’un l’autre, renforçant ainsi leur individualité et leur créativité. Ensemble, ils deviennent plus forts, comme lorsqu'ils obtiennent justice contre ceux qui les malmènent à l'école. Josh Hutcherson et AnnaSophia Robb interprètent leurs personnages avec beaucoup d’émotions et de sincérité. Il est donc facile de s’attacher à eux.L'une des relations intéressantes du film est celle entre Jess et son père (Patrick Robert). Les deux ont une relation conflictuelle car le père de Jess ne prend pas au sérieux la passion de son fils pour le dessin et semble faire preuve de favoritisme envers sa fille cadette Maybelle (Bailee Madison). Alors que Jess subit des brimades à l’école, son environnement familial n'arrange rien, car il se sent négligé et mis à l'écart par son propre père. Le long-métrage aborde également la question de la mort et du deuil. À travers le personnage de Jess, nous voyons comment un jeune adolescent est confronté à la mort et comment il y fait face.
Le Secret de Térabithia, un drame émouvant aux allures de film fantastique
La genèse du film et une promo marketing trompeuse
La genèse du roman repose sur un événement réel survenu en 1974, lorsque la meilleure amie du fils de l'auteure a été tuée par la foudre. Le Royaume de la lumière (le premier titre français du roman, ensuite réédité sous le titre Le Secret de Térabithia après la sortie du film) avait alors pour but d'aider son fils à surmonter son deuil. Il me semble que peu de gens le savent, mais le film de Csupo est la deuxième adaptation du roman. En effet, une première adaptation en téléfilm a été réalisée en 1985, avec Annette O'Toole.Au moment de la sortie du film, tout l'aspect promotionnel et marketing du film a été jugé trompeur. En effet, toute la promo, ainsi que l'affiche du film, laissaient penser que Le Secret de Térabithia était un film fantastique se déroulant dans un univers peuplé de créatures magiques. En réalité, le long-métrage est un drame, et les éléments fantastiques sont très subtils et sortent tout droit de l'imagination des deux personnages principaux.
L’importance de l’amitié et des liens familiaux
Le film dépeint la naissance d'une belle amitié entre deux jeunes adolescents délaissés par leurs parents et liés par leur solitude commune. Pour échapper à leurs problèmes, ils créent un monde magique dont ils sont les souverains. Ce monde prend vie sous leurs yeux, mais aussi sous le regard du spectateur. Ils se rapprochent grâce à leur singularité. Jess est un garçon introverti qui est persécuté par ses camarades de classe, tandis que Leslie est la nouvelle élève extravertie et pleine de vie que tout le monde considère comme étrange. On les voit s'élever l’un l’autre, renforçant ainsi leur individualité et leur créativité. Ensemble, ils deviennent plus forts, comme lorsqu'ils obtiennent justice contre ceux qui les malmènent à l'école. Josh Hutcherson et AnnaSophia Robb interprètent leurs personnages avec beaucoup d’émotions et de sincérité. Il est donc facile de s’attacher à eux.L'une des relations intéressantes du film est celle entre Jess et son père (Patrick Robert). Les deux ont une relation conflictuelle car le père de Jess ne prend pas au sérieux la passion de son fils pour le dessin et semble faire preuve de favoritisme envers sa fille cadette Maybelle (Bailee Madison). Alors que Jess subit des brimades à l’école, son environnement familial n'arrange rien, car il se sent négligé et mis à l'écart par son propre père. Le long-métrage aborde également la question de la mort et du deuil. À travers le personnage de Jess, nous voyons comment un jeune adolescent est confronté à la mort et comment il y fait face.
College Attitude : de quoi ça parle ?
Le long-métrage suit Josie, interprétée par Drew Barrymore, une secrétaire de rédaction de 25 ans qui manque de confiance en elle. Elle se retrouve à retourner sur les bancs du lycée pour réaliser un reportage sous couverture, afin de dénicher des infos sur la véritable vie des lycéens. C'est l'occasion pour Josie de revivre ses années de lycée, qui ont été assez traumatisantes pour elle.Les traumatismes du lycée
Au-delà de la romance, dont on parlera plus tard, College Attitude aborde le harcèlement scolaire et ses conséquences à long terme. A travers de nombreux flash-back, on découvre que Josie a été humiliée par ses camarades et que tous ces tourments ont façonné son identité et l’ont empêchée de véritablement sortir de sa coquille.Au cours de la première partie du film, Josie se retrouve confrontée à ses traumatismes d’adolescence. Lors de son enquête sous couverture, elle revit son identité de lycéenne harcelée, ce qui ravive d’anciennes blessures jamais complètement cicatrisées. Et d'une certaine manière, c’est comme si elle redevenait une adolescente, si bien que pendant une bonne partie du film, on oublie que Josie est une jeune femme de 25 ans avec un travail et son propre appartement. Le film met ainsi en évidence que certains traumatismes peuvent empêcher les gens de mûrir et de vivre réellement leur vie. Il est facile de se connecter à cette thématique et sans les aspects problématiques de la romance, College Attitude aurait pu être une bonne comédie avec des thématiques profondes et authentiques.
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| ©Fox |
Dans la seconde partie du métrage, Rob, le frère de Josie,
parvient lui aussi à s'inscrire au lycée avec une fausse carte d'identité.
C'est alors l'occasion pour ce jeune homme de 23 ans, qui a abandonné ses
études, de réaliser son rêve d'être recruté dans une équipe de baseball. Avec
l’aide de Rob, Josie parvient enfin à goûter à la popularité, quelque
chose dont elle ne pouvait que rêver lorsqu'elle était adolescente. Le frère
et la sœur sautent donc sur la fausse opportunité d'un nouveau départ,
aveuglés par l’obtention de ce dont ils ont toujours rêvé.
Au bal de fin d'année, alors que les camarades populaires de Josie s'apprêtent à faire une blague cruelle à une autre amie non populaire, Josie s'émancipe miraculeusement du regard des autres. Elle révèle son identité et livre un discours sur le fait que la popularité, qui semble si précieuse pour ces lycéens, n'est plus tangible après la sortie du lycée. Pourtant, comme on ne voit jamais Josie évoluer pendant les 107 minutes du film, toute sa réflexion sur la popularité tombe à plat.
Au bal de fin d'année, alors que les camarades populaires de Josie s'apprêtent à faire une blague cruelle à une autre amie non populaire, Josie s'émancipe miraculeusement du regard des autres. Elle révèle son identité et livre un discours sur le fait que la popularité, qui semble si précieuse pour ces lycéens, n'est plus tangible après la sortie du lycée. Pourtant, comme on ne voit jamais Josie évoluer pendant les 107 minutes du film, toute sa réflexion sur la popularité tombe à plat.
Une comédie romantique problématique
Dans une comédie romantique, la romance est un élément essentiel, pourtant la romance s’avère être la plus grosse faiblesse de College Attitude. Auparavant, je n’avais pas remarqué à quel point la relation entre Josie et Sam était problématique. Tout au long du film, Sam pense que Josie a 17 ans, mais cela ne l'empêche pas d'être attiré par elle, de la regarder avec des yeux de merlan frit et de multiplier les gestes déplacés. Il dégage carrément des vibes de prédateur, et ça n’est jamais vraiment dénoncé dans le film.
Le parfait exemple se passe dans une scène maintenant devenue culte : celle de
la grande roue. Une scène qui semble douce et romantique, mais
qui s'avère pourtant problématique. Josie et Sam se retrouvent seuls
pour un tour de grande roue et ce dernier commence à lui parler de ses
problèmes de couple, puis dit à Josie qu'il la trouve belle. Voir un
professeur tenir de tels propos à son élève de 17 ans (du moins le pense-t-il)
n'est pas normal et il est gênant de voir ce genre de moment être idéalisé.
(Si seulement l’échange n’était pas entre un professeur et son
élève…)
Nous les observons passer du temps ensemble et ce sont des séquences qui semblent douces et romantiques, mais n'oublions pas que Josie est censée être une jeune fille de 17 ans. Il est encore plus exaspérant de voir que ces deux-là finissent ensemble sans que Sam ne soit ostracisé pour être tombé amoureux d'une fille qu'il pensait être une adolescente. Il est aussi surprenant et choquant que Josie craque pour Guy, un jeune homme de 17 ans alors qu’elle en a 25. De même, Rob commence lui aussi à fréquenter une fille de 16 ans et trouve les lycéennes sexy malgré qu’elles soient mineures (réplique de la version française : “La vache ! C’est des filles du lycée ça ? C’est sexy à mort et ça n’a même pas l’âge légal.”). Oui, le Cringe-o-Meter s’affole…
College Attitude : le verdict final
Contrairement à d'autres films que j'ai déjà décryptés (Seize Bougies pour Sam
et L’Amour extra-large), tout n’est pas bon à jeter chez College Attitude. Il règne chez ce film une atmosphère plaisante digne des teen movies des
années 90 et
la bande originale
est sensationnelle. Le casting est incroyable, notamment avec
Drew Barrymore en tête d’affiche, mais encore
David Arquette, Leelee Sobieski et Michael Vartan. Après sa superbe
interprétation dans
Ever After, Drew Barrymore nous montre ici une autre facette de son jeu d’actrice. Et
malgré le message du métrage, parfois traité de manière maladroite, c’est bel
et bien la romance qui gâche l’histoire. On se retrouve donc avec un film qui
a presque tout pour plaire, mais qui après son visionnage, nous laisse un goût
amer dans la bouche.
À LIRE AUSSI : Pourquoi Sixteen Candles, entre culture du viol et propos racistes, est un teen-movie problématique ? et Mon avis sur L’Amour extra-large (Shallow Hal), 20 ans après sa sortie
À LIRE AUSSI : Pourquoi Sixteen Candles, entre culture du viol et propos racistes, est un teen-movie problématique ? et Mon avis sur L’Amour extra-large (Shallow Hal), 20 ans après sa sortie
Mon avis sur College Attitude, 24 ans après sa sortie
College Attitude : de quoi ça parle ?
Le long-métrage suit Josie, interprétée par Drew Barrymore, une secrétaire de rédaction de 25 ans qui manque de confiance en elle. Elle se retrouve à retourner sur les bancs du lycée pour réaliser un reportage sous couverture, afin de dénicher des infos sur la véritable vie des lycéens. C'est l'occasion pour Josie de revivre ses années de lycée, qui ont été assez traumatisantes pour elle.Les traumatismes du lycée
Au-delà de la romance, dont on parlera plus tard, College Attitude aborde le harcèlement scolaire et ses conséquences à long terme. A travers de nombreux flash-back, on découvre que Josie a été humiliée par ses camarades et que tous ces tourments ont façonné son identité et l’ont empêchée de véritablement sortir de sa coquille.Au cours de la première partie du film, Josie se retrouve confrontée à ses traumatismes d’adolescence. Lors de son enquête sous couverture, elle revit son identité de lycéenne harcelée, ce qui ravive d’anciennes blessures jamais complètement cicatrisées. Et d'une certaine manière, c’est comme si elle redevenait une adolescente, si bien que pendant une bonne partie du film, on oublie que Josie est une jeune femme de 25 ans avec un travail et son propre appartement. Le film met ainsi en évidence que certains traumatismes peuvent empêcher les gens de mûrir et de vivre réellement leur vie. Il est facile de se connecter à cette thématique et sans les aspects problématiques de la romance, College Attitude aurait pu être une bonne comédie avec des thématiques profondes et authentiques.
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| ©Fox |
Dans la seconde partie du métrage, Rob, le frère de Josie,
parvient lui aussi à s'inscrire au lycée avec une fausse carte d'identité.
C'est alors l'occasion pour ce jeune homme de 23 ans, qui a abandonné ses
études, de réaliser son rêve d'être recruté dans une équipe de baseball. Avec
l’aide de Rob, Josie parvient enfin à goûter à la popularité, quelque
chose dont elle ne pouvait que rêver lorsqu'elle était adolescente. Le frère
et la sœur sautent donc sur la fausse opportunité d'un nouveau départ,
aveuglés par l’obtention de ce dont ils ont toujours rêvé.
Au bal de fin d'année, alors que les camarades populaires de Josie s'apprêtent à faire une blague cruelle à une autre amie non populaire, Josie s'émancipe miraculeusement du regard des autres. Elle révèle son identité et livre un discours sur le fait que la popularité, qui semble si précieuse pour ces lycéens, n'est plus tangible après la sortie du lycée. Pourtant, comme on ne voit jamais Josie évoluer pendant les 107 minutes du film, toute sa réflexion sur la popularité tombe à plat.
Au bal de fin d'année, alors que les camarades populaires de Josie s'apprêtent à faire une blague cruelle à une autre amie non populaire, Josie s'émancipe miraculeusement du regard des autres. Elle révèle son identité et livre un discours sur le fait que la popularité, qui semble si précieuse pour ces lycéens, n'est plus tangible après la sortie du lycée. Pourtant, comme on ne voit jamais Josie évoluer pendant les 107 minutes du film, toute sa réflexion sur la popularité tombe à plat.
Une comédie romantique problématique
Dans une comédie romantique, la romance est un élément essentiel, pourtant la romance s’avère être la plus grosse faiblesse de College Attitude. Auparavant, je n’avais pas remarqué à quel point la relation entre Josie et Sam était problématique. Tout au long du film, Sam pense que Josie a 17 ans, mais cela ne l'empêche pas d'être attiré par elle, de la regarder avec des yeux de merlan frit et de multiplier les gestes déplacés. Il dégage carrément des vibes de prédateur, et ça n’est jamais vraiment dénoncé dans le film.
Le parfait exemple se passe dans une scène maintenant devenue culte : celle de
la grande roue. Une scène qui semble douce et romantique, mais
qui s'avère pourtant problématique. Josie et Sam se retrouvent seuls
pour un tour de grande roue et ce dernier commence à lui parler de ses
problèmes de couple, puis dit à Josie qu'il la trouve belle. Voir un
professeur tenir de tels propos à son élève de 17 ans (du moins le pense-t-il)
n'est pas normal et il est gênant de voir ce genre de moment être idéalisé.
(Si seulement l’échange n’était pas entre un professeur et son
élève…)
Nous les observons passer du temps ensemble et ce sont des séquences qui semblent douces et romantiques, mais n'oublions pas que Josie est censée être une jeune fille de 17 ans. Il est encore plus exaspérant de voir que ces deux-là finissent ensemble sans que Sam ne soit ostracisé pour être tombé amoureux d'une fille qu'il pensait être une adolescente. Il est aussi surprenant et choquant que Josie craque pour Guy, un jeune homme de 17 ans alors qu’elle en a 25. De même, Rob commence lui aussi à fréquenter une fille de 16 ans et trouve les lycéennes sexy malgré qu’elles soient mineures (réplique de la version française : “La vache ! C’est des filles du lycée ça ? C’est sexy à mort et ça n’a même pas l’âge légal.”). Oui, le Cringe-o-Meter s’affole…
College Attitude : le verdict final
Contrairement à d'autres films que j'ai déjà décryptés (Seize Bougies pour Sam
et L’Amour extra-large), tout n’est pas bon à jeter chez College Attitude. Il règne chez ce film une atmosphère plaisante digne des teen movies des
années 90 et
la bande originale
est sensationnelle. Le casting est incroyable, notamment avec
Drew Barrymore en tête d’affiche, mais encore
David Arquette, Leelee Sobieski et Michael Vartan. Après sa superbe
interprétation dans
Ever After, Drew Barrymore nous montre ici une autre facette de son jeu d’actrice. Et
malgré le message du métrage, parfois traité de manière maladroite, c’est bel
et bien la romance qui gâche l’histoire. On se retrouve donc avec un film qui
a presque tout pour plaire, mais qui après son visionnage, nous laisse un goût
amer dans la bouche.
À LIRE AUSSI : Pourquoi Sixteen Candles, entre culture du viol et propos racistes, est un teen-movie problématique ? et Mon avis sur L’Amour extra-large (Shallow Hal), 20 ans après sa sortie
À LIRE AUSSI : Pourquoi Sixteen Candles, entre culture du viol et propos racistes, est un teen-movie problématique ? et Mon avis sur L’Amour extra-large (Shallow Hal), 20 ans après sa sortie
Danny (ou Michael Manfield, son autre identité dans le film) est un jeune homme qui, à cause des choix de ses parents, ne peut pas vivre une vie normale. Alors que l’adolescence est la période où on commence à construire son identité, Danny ne peut jamais réellement être lui-même et enchaîne les fausses identités depuis toujours. Running on Empty est seulement le sixième long-métrage dans lequel River Phoenix joue, et pourtant, c’est avec ce film que Phoenix, âgé de 17 ans, montre véritablement toute l’étendue de son talent d’acteur.
“What are we doing to these kids? They've been running their whole lives like criminals, and they didn't do anything!” – Annie
Drame familial avec de la tension et de l’émotion, le métrage traite des conséquences de nos actions passées et des notions de choix et de sacrifices. Danny doit-il voler de ses propres ailes et se créer la vie qu'il souhaite ou doit-il rester avec sa famille et vivre une vie où il devra toujours fuir ? Il en est de même pour ses parents. Judd Hirsch et Christine Lahti incarnent leurs personnages à merveille, ceux de parents aimants et attentionnés, mais qui se questionnent et commencent à douter du mode de vie qu’ils vont subir à leurs deux fils : doivent-ils laisser Danny partir ou lui imposer ce style de vie qui ne lui permettra jamais de s’épanouir ? RUNNING ON EMPTY montre alors la difficulté de l’émancipation familiale. Le récit est tout simplement captivant et émouvant. Les performances sont impeccables et font monter les larmes aux yeux.
Pour la première fois de sa vie, Danny va tomber amoureux. C’est son amour pour Lorna, interprétée par Martha Plimpton, mais aussi son amour pour le piano qui lui font réaliser qu'il aspire à une vie meilleure que celle que ses parents lui ont imposée. L’alchimie est indéniable entre River Phœnix et Martha Plimpton. Les deux acteurs étaient déjà en couple depuis deux ans lors du tournage et ça s’en ressent dans leur jeu. Les scènes qu’ils jouent ensemble sont authentiques et naturelles.
“Why do you have to carry the burden of someone else's life?” – Lorna
RUNNING ON EMPTY est un film touchant sur une famille aimante, mais en difficulté. Même si le contexte est spécifique, il est clair que tout le monde peut s’identifier à la décision universelle de rester avec sa famille ou de s'envoler du nid. Un merveilleux métrage signé Sidney Lumet qui mérite d’être vu et revu !
Running on Empty, un drame familial poignant et authentique
Danny (ou Michael Manfield, son autre identité dans le film) est un jeune homme qui, à cause des choix de ses parents, ne peut pas vivre une vie normale. Alors que l’adolescence est la période où on commence à construire son identité, Danny ne peut jamais réellement être lui-même et enchaîne les fausses identités depuis toujours. Running on Empty est seulement le sixième long-métrage dans lequel River Phoenix joue, et pourtant, c’est avec ce film que Phoenix, âgé de 17 ans, montre véritablement toute l’étendue de son talent d’acteur.
“What are we doing to these kids? They've been running their whole lives like criminals, and they didn't do anything!” – Annie
Drame familial avec de la tension et de l’émotion, le métrage traite des conséquences de nos actions passées et des notions de choix et de sacrifices. Danny doit-il voler de ses propres ailes et se créer la vie qu'il souhaite ou doit-il rester avec sa famille et vivre une vie où il devra toujours fuir ? Il en est de même pour ses parents. Judd Hirsch et Christine Lahti incarnent leurs personnages à merveille, ceux de parents aimants et attentionnés, mais qui se questionnent et commencent à douter du mode de vie qu’ils vont subir à leurs deux fils : doivent-ils laisser Danny partir ou lui imposer ce style de vie qui ne lui permettra jamais de s’épanouir ? RUNNING ON EMPTY montre alors la difficulté de l’émancipation familiale. Le récit est tout simplement captivant et émouvant. Les performances sont impeccables et font monter les larmes aux yeux.
Pour la première fois de sa vie, Danny va tomber amoureux. C’est son amour pour Lorna, interprétée par Martha Plimpton, mais aussi son amour pour le piano qui lui font réaliser qu'il aspire à une vie meilleure que celle que ses parents lui ont imposée. L’alchimie est indéniable entre River Phœnix et Martha Plimpton. Les deux acteurs étaient déjà en couple depuis deux ans lors du tournage et ça s’en ressent dans leur jeu. Les scènes qu’ils jouent ensemble sont authentiques et naturelles.
“Why do you have to carry the burden of someone else's life?” – Lorna
RUNNING ON EMPTY est un film touchant sur une famille aimante, mais en difficulté. Même si le contexte est spécifique, il est clair que tout le monde peut s’identifier à la décision universelle de rester avec sa famille ou de s'envoler du nid. Un merveilleux métrage signé Sidney Lumet qui mérite d’être vu et revu !
Le terme yuppie a été inventé dans les années 80. Le Young Urban Professional désigne un jeune cadre évoluant dans le milieu du commerce et de la finance dans une grosse métropole. Ambitieux, il veut pouvoir monter l'échelle assez vite et réussir. The Secret of my Success (Le Secret de Mon Succès en VF) suit Brantley Foster, la parfaite représentation du yuppie. Originaire du Kansas, il part pour la Grosse Pomme pour débuter sa carrière dans la finance. Cependant, la boite dans laquelle il est embauché a été rachetée par une société rivale, Brantley est donc viré avant même d'avoir pu commencer à travailler. Après plusieurs tentatives infructueuses pour trouver un autre emploi, Brantley se retrouve à travailler comme coursier chez Pemrose Incorporated, une corporate dirigée par un oncle éloigné. Loin d'être son poste de rêve, sa soif de réussite le pousse à se créer une autre identité au sein de la boîte : il est désormais Carlton Whitfield, un jeune cadre.
Un premier role d’adulte pour Michael J. Fox
THE SECRET OF MY SUCCESS marque l'éloignement de Michael J. Fox de son image d'éternel adolescent, popularisé notamment par Back to the Future et Teen Wolf. Dans ce long-métrage, il est un jeune diplômé ambitieux, travailleur et qui s'émancipe. Les années 80 aux USA sont marquantes pour son économie en expansion sous la présidence de Reagan, notamment à partir de 1983. On doit à ce boom économique l'obsession de réussite et d'argent. Avec son subterfuge, Brantley arrive à se trouver une place en or et arrive, plus ou moins, à gérer deux postes, celui de coursier et celui de cadre. Le film est similaire à Working Girl, qui sortira un an après. On y suit une jeune femme qui va en quelque sorte usurper l'identité de sa boss qui lui a volé une idée et profite de l'absence de cette dernière pour mener à bout son projet. Les yuppie movies illustrent les hommes et femmes d'affaires ambitieux des USA, on y retrouve une charte graphique commune avec une musique rythmée, un New-York en effervescence et la mode et coupes de cheveux propres aux eighties.“No! No exceptions! I want this job, I need it, I can do it. Everywhere I've been today there's always been something wrong, too young, too old, too short, too tall. whatever the exception is, I can fix it. I can be older, I can be taller, I can be anything.” - Brantley Foster
Une romance de bureau et des quiproquos à gogo
Bien sur, que serait ce film sans sa petite romance de bureau. Brantley tombe rapidement sous le charme de Christy Wills, interprétée par Helen Slater (qui débuta sa carrière avec Supergirl, en 1984). C'est une romance convenue, loin d'être mémorable, mais ça fonctionne dans ce genre de comédie. Cependant, Brantley ne sait pas que Christy avait eu une liaison avec son oncle peu de temps avant. Cela va créer des situations et quiproquos dignes d'une comédie des années 80.
Une comédie très fun des années 80
Sans être mémorable, THE SECRET OF MY SUCCESS est une comédie fun avec des situations qui sont sincèrement drôles. Sans avoir atteint le statut culte de certains films, le long-métrage réussit tout de fois à détrôner au box-office pour l'année 1987 Dirty Dancing ou encore L'Arme Fatale, des films encore cultes à ce jour. En février 2020, le film rejoint la longue liste des longs-métrages adaptés en comédie musicale.The Secret of my Success, Michael J. Fox en jeune yuppie ambitieux
Le terme yuppie a été inventé dans les années 80. Le Young Urban Professional désigne un jeune cadre évoluant dans le milieu du commerce et de la finance dans une grosse métropole. Ambitieux, il veut pouvoir monter l'échelle assez vite et réussir. The Secret of my Success (Le Secret de Mon Succès en VF) suit Brantley Foster, la parfaite représentation du yuppie. Originaire du Kansas, il part pour la Grosse Pomme pour débuter sa carrière dans la finance. Cependant, la boite dans laquelle il est embauché a été rachetée par une société rivale, Brantley est donc viré avant même d'avoir pu commencer à travailler. Après plusieurs tentatives infructueuses pour trouver un autre emploi, Brantley se retrouve à travailler comme coursier chez Pemrose Incorporated, une corporate dirigée par un oncle éloigné. Loin d'être son poste de rêve, sa soif de réussite le pousse à se créer une autre identité au sein de la boîte : il est désormais Carlton Whitfield, un jeune cadre.
Un premier role d’adulte pour Michael J. Fox
THE SECRET OF MY SUCCESS marque l'éloignement de Michael J. Fox de son image d'éternel adolescent, popularisé notamment par Back to the Future et Teen Wolf. Dans ce long-métrage, il est un jeune diplômé ambitieux, travailleur et qui s'émancipe. Les années 80 aux USA sont marquantes pour son économie en expansion sous la présidence de Reagan, notamment à partir de 1983. On doit à ce boom économique l'obsession de réussite et d'argent. Avec son subterfuge, Brantley arrive à se trouver une place en or et arrive, plus ou moins, à gérer deux postes, celui de coursier et celui de cadre. Le film est similaire à Working Girl, qui sortira un an après. On y suit une jeune femme qui va en quelque sorte usurper l'identité de sa boss qui lui a volé une idée et profite de l'absence de cette dernière pour mener à bout son projet. Les yuppie movies illustrent les hommes et femmes d'affaires ambitieux des USA, on y retrouve une charte graphique commune avec une musique rythmée, un New-York en effervescence et la mode et coupes de cheveux propres aux eighties.“No! No exceptions! I want this job, I need it, I can do it. Everywhere I've been today there's always been something wrong, too young, too old, too short, too tall. whatever the exception is, I can fix it. I can be older, I can be taller, I can be anything.” - Brantley Foster
Une romance de bureau et des quiproquos à gogo
Bien sur, que serait ce film sans sa petite romance de bureau. Brantley tombe rapidement sous le charme de Christy Wills, interprétée par Helen Slater (qui débuta sa carrière avec Supergirl, en 1984). C'est une romance convenue, loin d'être mémorable, mais ça fonctionne dans ce genre de comédie. Cependant, Brantley ne sait pas que Christy avait eu une liaison avec son oncle peu de temps avant. Cela va créer des situations et quiproquos dignes d'une comédie des années 80.Une comédie très fun des années 80
Sans être mémorable, THE SECRET OF MY SUCCESS est une comédie fun avec des situations qui sont sincèrement drôles. Sans avoir atteint le statut culte de certains films, le long-métrage réussit tout de fois à détrôner au box-office pour l'année 1987 Dirty Dancing ou encore L'Arme Fatale, des films encore cultes à ce jour. En février 2020, le film rejoint la longue liste des longs-métrages adaptés en comédie musicale.
De nos jours, qui ne connait pas le film When Harry Met Sally, un classique de la comédie romantique ? Toujours aussi culte 32 ans après sa sortie en salles, on doit l'écriture du scénario à Nora Ephron, reconnue pour ses scénarios de rom-coms (notamment les deux films avec le duo Meg Ryan/Tom Hanks : Sleepless in Seattle et You've Got Mail). Avec une réalisation de Rob Reiner, When Harry Met Sally raconte une histoire d'amitié qui va doucement évoluer en histoire d'amour.
WHEN HARRY MET SALLY est construit autour d'un trope assez populaire: celui du friends-to-lovers. La relation entre Harry (Billy Crystal) et Sally (Meg Ryan) est assez complexe, puisque quand ils se rencontrent pour la première fois, de par leurs personnalités opposées et leurs opinions divergentes, les deux ne s'entendent pas vraiment. Cinq ans plus tard, ils se croisent brièvement à l'aéroport et font leur trajet d'avion ensemble et le courant ne passe toujours pas. C'est seulement après le divorce de Harry et la séparation de Sally avec son compagnon qu'ils arrivent à construire un lien sincère. Leur amitié soudée est tellement plaisante à voir et les moments qu'ils passent ensemble fait chaud au cœur. Billy Crystal et Meg Ryan ont une alchimie incroyable et ils arrivent à nous faire croire à leur amitié. Selon moi, les plus belles histoires d'amour sont celles qui débute par de l'amitié et c'est superbement bien dépeint dans WHEN HARRY MET SALLY. Il faut des années aux personnages principaux pour se rendre compte qu'ils sont attirés l'un par l'autre.
“That's not true. I have a number of men friends and there is no sex involved.” - Sally
Il est donc difficile à croire qu'à l'origine, Harry et Sally ne devaient pas finir ensemble. Dans le scénario original, Harry et Sally ne finissaient pas ensemble, le pire est qu'ils finissaient même par se perdre de vue, offrant alors un final plus qu'amer. Dans le film, l'argument clé de Harry est qu'un homme et une femme ne peuvent pas être amis (“Because no man can be friends with a woman that he finds attractive. He always wants to have sex with her.”), tandis que Sally pense le contraire. On se rend compte que le film offre les deux visions : bien qu'ils finissent par tomber amoureux, le long-métrage montre que l'amitié entre un homme et une femme est, dans une moindre mesure, finalement possible. Dans un sens, le récit donne donc raison aux deux personnages principaux.
WHEN HARRY MET SALLY possède tous les codes de la bonne comédie avec la juste dose de romance. C'est drôle et émouvant à la fois ; et les personnages sont attachants tout en étant parfois insupportables. Ils ont leurs défauts, mais on ne peut que les aimer. Meg Ryan et Billy Crystal forment un duo dynamique, la relation entre les deux évolue au fur et à mesure que le film avance, s'épanouissant alors progressivement en quelque chose de plus fort, et ce, de manière vraiment réaliste. Leur amitié n'est pas parfaite, mais ils ont vraiment pris le temps de se connaître, ce qui leur a aussi permis de se construire ensemble en tant qu'individu.
“I came here tonight because when you realize you want to spend the rest of your life with somebody, you want the rest of your life to start as soon as possible.” - Harry
On ne peut pas le nier, WHEN HARRY MET SALLY est la comédie romantique par excellence, elle regroupe tous les bons ingrédients pour faire un long métrage divertissant, touchant et intemporel. Le film dégage également une certaine douceur et une aura propre aux films des années 80, ce qui fait que c'est toujours un régal de se (re)plonger dans cette histoire.
When Harry Met Sally, LA comédie romantique culte des 80s
De nos jours, qui ne connait pas le film When Harry Met Sally, un classique de la comédie romantique ? Toujours aussi culte 32 ans après sa sortie en salles, on doit l'écriture du scénario à Nora Ephron, reconnue pour ses scénarios de rom-coms (notamment les deux films avec le duo Meg Ryan/Tom Hanks : Sleepless in Seattle et You've Got Mail). Avec une réalisation de Rob Reiner, When Harry Met Sally raconte une histoire d'amitié qui va doucement évoluer en histoire d'amour.
WHEN HARRY MET SALLY est construit autour d'un trope assez populaire: celui du friends-to-lovers. La relation entre Harry (Billy Crystal) et Sally (Meg Ryan) est assez complexe, puisque quand ils se rencontrent pour la première fois, de par leurs personnalités opposées et leurs opinions divergentes, les deux ne s'entendent pas vraiment. Cinq ans plus tard, ils se croisent brièvement à l'aéroport et font leur trajet d'avion ensemble et le courant ne passe toujours pas. C'est seulement après le divorce de Harry et la séparation de Sally avec son compagnon qu'ils arrivent à construire un lien sincère. Leur amitié soudée est tellement plaisante à voir et les moments qu'ils passent ensemble fait chaud au cœur. Billy Crystal et Meg Ryan ont une alchimie incroyable et ils arrivent à nous faire croire à leur amitié. Selon moi, les plus belles histoires d'amour sont celles qui débute par de l'amitié et c'est superbement bien dépeint dans WHEN HARRY MET SALLY. Il faut des années aux personnages principaux pour se rendre compte qu'ils sont attirés l'un par l'autre.
“That's not true. I have a number of men friends and there is no sex involved.” - Sally
Il est donc difficile à croire qu'à l'origine, Harry et Sally ne devaient pas finir ensemble. Dans le scénario original, Harry et Sally ne finissaient pas ensemble, le pire est qu'ils finissaient même par se perdre de vue, offrant alors un final plus qu'amer. Dans le film, l'argument clé de Harry est qu'un homme et une femme ne peuvent pas être amis (“Because no man can be friends with a woman that he finds attractive. He always wants to have sex with her.”), tandis que Sally pense le contraire. On se rend compte que le film offre les deux visions : bien qu'ils finissent par tomber amoureux, le long-métrage montre que l'amitié entre un homme et une femme est, dans une moindre mesure, finalement possible. Dans un sens, le récit donne donc raison aux deux personnages principaux.
WHEN HARRY MET SALLY possède tous les codes de la bonne comédie avec la juste dose de romance. C'est drôle et émouvant à la fois ; et les personnages sont attachants tout en étant parfois insupportables. Ils ont leurs défauts, mais on ne peut que les aimer. Meg Ryan et Billy Crystal forment un duo dynamique, la relation entre les deux évolue au fur et à mesure que le film avance, s'épanouissant alors progressivement en quelque chose de plus fort, et ce, de manière vraiment réaliste. Leur amitié n'est pas parfaite, mais ils ont vraiment pris le temps de se connaître, ce qui leur a aussi permis de se construire ensemble en tant qu'individu.
“I came here tonight because when you realize you want to spend the rest of your life with somebody, you want the rest of your life to start as soon as possible.” - Harry
On ne peut pas le nier, WHEN HARRY MET SALLY est la comédie romantique par excellence, elle regroupe tous les bons ingrédients pour faire un long métrage divertissant, touchant et intemporel. Le film dégage également une certaine douceur et une aura propre aux films des années 80, ce qui fait que c'est toujours un régal de se (re)plonger dans cette histoire.
Arnold Schwarzenegger est une figure incontournable du cinéma d'action, pourtant, il excelle également dans un autre genre: celui de la comédie. Sorti en 1990 et réalisé par Ivan Reitman (qui avait déjà dirigé Schwarzy deux ans auparavant dans Jumeaux), KINDERGARTEN COP (ou Un Flic à la Maternelle en VF) suit John Kimble (Arnold Schwarzenegger), un flic qui va être sous couverture en tant qu’instituteur dans une école maternelle. Son objectif est de retrouver une femme ainsi que son fils, pour qu’elle témoigne contre son ex-mari, Cullen Crisp, un trafiquant de drogue que Kimble a enfin réussi à appréhender.
Deux ans après Jumeaux, Arnold retrouve Ivan Reitman dans la comédie Kindergarten Cop. Le flic John Kimble, au départ mal rasé et peu aimable, se retrouve donc à jouer l'instituteur à la maternelle, dans une école à Astoria (oui, la même ville que Les Goonies). Il ne sait pas encore ce qu'il l'attend, lui qui à l'habitude de poursuivre des malfrats, il ne se doute pas que des enfants peuvent parfois être tout aussi redoutables. Comme je le disais dans ma critique sur Last Action Hero, j'aime beaucoup voir Arnold Schwarzenegger dans des comédies. De par sa carrure et sa longue carrière dans le cinéma d'action, il y a un sacré contraste qui fonctionne et voir l'acteur entouré de gamins turbulents qui le mène à la baguette, c'est plutôt drôle.
Ce qui est marquant avec Kindergarten Cop, c'est qu'il débute comme un film d'action où on retrouve un Schwarzenegger familier, mal rasé et à l’allure de guerrier avec ses gros flingues, mais le long-métrage se dirige par la suite dans l'aspect de la comédie avec ses gags et un John Kimble transformé, qui va se servir de sa formation de flic pour devenir un super instituteur, plus doux et attentionné. De plus, Kimble n'est pas le seul à changer. Alors que ce sont ses élèves qui le transforment, il transforme lui aussi ses élèves en enfants disciplinés alors qu'ils étaient auparavant turbulents.
Un des films favoris de sa filmographie, il est intéressant de voir que Schwarzy et son personnage John Kimble ont des choses en commun: ils sont tous les deux autrichiens et viennent d'une famille de flic. En effet, dans le film, John Kimble explique que dans sa famille, ils sont flics de père en fils et dans le cas d'Arnold, ce sont son père et son frère qui le sont.
Kindergarten Cop est une des meilleures comédies d'Arnold et le long-métrage a une intrigue solide et qui fonctionne. Il commence de manière assez forte et brutale pour se diriger par la suite vers une comédie avec des répliques cultes (“Les garçons, ils ont un pénis et les filles, elles ont un vagin”). Un film fun des 90s qu'on ne se lasse pas de regarder.
Kindergarten Cop : quand Terminator devient instituteur
Arnold Schwarzenegger est une figure incontournable du cinéma d'action, pourtant, il excelle également dans un autre genre: celui de la comédie. Sorti en 1990 et réalisé par Ivan Reitman (qui avait déjà dirigé Schwarzy deux ans auparavant dans Jumeaux), KINDERGARTEN COP (ou Un Flic à la Maternelle en VF) suit John Kimble (Arnold Schwarzenegger), un flic qui va être sous couverture en tant qu’instituteur dans une école maternelle. Son objectif est de retrouver une femme ainsi que son fils, pour qu’elle témoigne contre son ex-mari, Cullen Crisp, un trafiquant de drogue que Kimble a enfin réussi à appréhender.
Deux ans après Jumeaux, Arnold retrouve Ivan Reitman dans la comédie Kindergarten Cop. Le flic John Kimble, au départ mal rasé et peu aimable, se retrouve donc à jouer l'instituteur à la maternelle, dans une école à Astoria (oui, la même ville que Les Goonies). Il ne sait pas encore ce qu'il l'attend, lui qui à l'habitude de poursuivre des malfrats, il ne se doute pas que des enfants peuvent parfois être tout aussi redoutables. Comme je le disais dans ma critique sur Last Action Hero, j'aime beaucoup voir Arnold Schwarzenegger dans des comédies. De par sa carrure et sa longue carrière dans le cinéma d'action, il y a un sacré contraste qui fonctionne et voir l'acteur entouré de gamins turbulents qui le mène à la baguette, c'est plutôt drôle.
Ce qui est marquant avec Kindergarten Cop, c'est qu'il débute comme un film d'action où on retrouve un Schwarzenegger familier, mal rasé et à l’allure de guerrier avec ses gros flingues, mais le long-métrage se dirige par la suite dans l'aspect de la comédie avec ses gags et un John Kimble transformé, qui va se servir de sa formation de flic pour devenir un super instituteur, plus doux et attentionné. De plus, Kimble n'est pas le seul à changer. Alors que ce sont ses élèves qui le transforment, il transforme lui aussi ses élèves en enfants disciplinés alors qu'ils étaient auparavant turbulents.
Un des films favoris de sa filmographie, il est intéressant de voir que Schwarzy et son personnage John Kimble ont des choses en commun: ils sont tous les deux autrichiens et viennent d'une famille de flic. En effet, dans le film, John Kimble explique que dans sa famille, ils sont flics de père en fils et dans le cas d'Arnold, ce sont son père et son frère qui le sont.
Kindergarten Cop est une des meilleures comédies d'Arnold et le long-métrage a une intrigue solide et qui fonctionne. Il commence de manière assez forte et brutale pour se diriger par la suite vers une comédie avec des répliques cultes (“Les garçons, ils ont un pénis et les filles, elles ont un vagin”). Un film fun des 90s qu'on ne se lasse pas de regarder.
S'il y a bien un film que j'ai regardé un nombre incalculable de fois dans ma jeunesse, c'est bien À tout jamais, une histoire de Cendrillon (Ever After en VO). Réalisé par Andy Tennant en 1998, Ever After est un film dramatique qui s'inspire du conte de Cendrillon. Dans ce film, pas de marraine la bonne fée ni de citrouille qui se transforme en carrosse, l’intrigue se passe en France au XVIe siècle et suit Danielle de Barbarac (Drew Barrymore), orpheline et roturière, qui est au service de sa belle-mère, la baronne Rodmilla de Ghent (Anjelica Huston) et de ses filles, Jacqueline et Marguerite. Pour libérer un des anciens serviteurs de son père, Danielle se fait passer pour une comtesse et emprunte le nom de sa mère. C'est sans compter sa rencontre avec le prince de France, Henry (Dougray Scott), qui va chambouler son existence.
C'est incontestable, EVER AFTER reste le meilleur retelling du conte de Cendrillon. Andy Tennant nous offre un récit beaucoup plus étoffé que le conte de base et au message complètement opposé, sans pour autant dénaturer le conte rendu populaire par Perrault, les frères Grimm et bien évidemment Walt Disney. EVER AFTER a la particularité d'offrir un personnage féminin fort et indépendant, bien loin de l’image traditionnelle du personnage de Cendrillon. Cendrillon devient ici Danielle de Barbarac, une roturière qui se voit devenir servante dans sa propre maison après le décès de son père. Drew Barrymore est fantastique dans ce film et c'est un de ses rôles que je préfère (c'est également un des films favoris de sa filmographie dixit une interview de 2016). Danielle est une jeune forte et intelligente, de plus, malgré sa condition sociale, elle ne se laisse pas marcher sur les pieds et elle est loin, très loin d'incarner l'image de la demoiselle en détresse. C'est cet élément qui fait que EVER AFTER est une réussite car l'image de la jeune servante en détresse qui est délivrée par le prince y est complètement remodelée et modernisée. Une dimension féministe qui fait plaisir à voir.
Comme pour Danielle, le prince charmant est rendu plus complexe que dans le conte. Henry est un prince qui ne supporte pas son statut et les choix qui lui sont opposés. Sa rencontre avec Danielle va remettre son existence et ses ambitions en question. C'est cet élément que j'aime dans la relation entre Danielle et Henry, Danielle le pousse à être la meilleure version de lui-même. Elle lui ouvre les yeux sur la condition des gens qui sont moins privilégiés que lui.
❝You have everything, and still the world holds no joy; and yet you insist on making fun of those who would see it for its possibilities.❞ - Danielle
Qui dit Cendrillon, dit également méchante belle-mère. Interprétée par l'extraordinaire Anjelica Huston, Rodmilla de Gent est une femme avide de pouvoir qui souhaite à tout prix voir sa fille Marguerite mariée au prince de France. Dans le conte, la belle-mère déteste Cendrillon à cause de sa beauté, cependant, dans le film, une autre raison est suggérée: Rodmilla éprouve de la rancœur envers sa belle-fille car les derniers mots d'Auguste, son mari et le père de Danielle, ont été pour cette dernière et non pour elle alors qu'elle était également présente. Au lieu d'avoir deux méchantes demi-sœurs, ce qui semble un peu forcé et manichéen, seule Marguerite a un comportement antagoniste envers Danielle tandis que Jacqueline est plus douce et plus aimable. Jacqueline est interprétée par Melanie Lynskey, qui est juste géniale et qu'on ne voit d'ailleurs pas assez sur nos écrans.
Bien que le film soit exempt de toute magie, la figure de la marraine la bonne fée est ici remplacé par nul autre que Leonardo da Vinci (Patrick Godfrey), qui aidera autant Danielle et Henry. On retrouve également au casting Judy Parfitt et Timothy West dans les rôles de la Reine Marie et du Roi François (Francis en VO). D’ailleurs, bien que le contexte de l'histoire se déroule au XVIe siècle en France, EVER AFTER est historiquement inexact au niveau des dates et le film se contente seulement d'emprunter des noms de personnalités historiques. On n'oublie pas aussi la présence de Jeanne Moreau, qui incarne une femme du XIXe siècle qui tient à raconter la véritable histoire de Cendrillon aux Frères Grimm.
Que serait un film sans sa musique. La bande originale est signée par George Fenton, à qui on doit les musiques de Les Liaisons Dangereuses ou encore Un jour sans fin. La musique est en parfaite osmose avec le film et elle est tout simplement magnifique et frissonnante.
Ever After, une relecture féministe et maîtrisée du conte de Cendrillon
S'il y a bien un film que j'ai regardé un nombre incalculable de fois dans ma jeunesse, c'est bien À tout jamais, une histoire de Cendrillon (Ever After en VO). Réalisé par Andy Tennant en 1998, Ever After est un film dramatique qui s'inspire du conte de Cendrillon. Dans ce film, pas de marraine la bonne fée ni de citrouille qui se transforme en carrosse, l’intrigue se passe en France au XVIe siècle et suit Danielle de Barbarac (Drew Barrymore), orpheline et roturière, qui est au service de sa belle-mère, la baronne Rodmilla de Ghent (Anjelica Huston) et de ses filles, Jacqueline et Marguerite. Pour libérer un des anciens serviteurs de son père, Danielle se fait passer pour une comtesse et emprunte le nom de sa mère. C'est sans compter sa rencontre avec le prince de France, Henry (Dougray Scott), qui va chambouler son existence.
C'est incontestable, EVER AFTER reste le meilleur retelling du conte de Cendrillon. Andy Tennant nous offre un récit beaucoup plus étoffé que le conte de base et au message complètement opposé, sans pour autant dénaturer le conte rendu populaire par Perrault, les frères Grimm et bien évidemment Walt Disney. EVER AFTER a la particularité d'offrir un personnage féminin fort et indépendant, bien loin de l’image traditionnelle du personnage de Cendrillon. Cendrillon devient ici Danielle de Barbarac, une roturière qui se voit devenir servante dans sa propre maison après le décès de son père. Drew Barrymore est fantastique dans ce film et c'est un de ses rôles que je préfère (c'est également un des films favoris de sa filmographie dixit une interview de 2016). Danielle est une jeune forte et intelligente, de plus, malgré sa condition sociale, elle ne se laisse pas marcher sur les pieds et elle est loin, très loin d'incarner l'image de la demoiselle en détresse. C'est cet élément qui fait que EVER AFTER est une réussite car l'image de la jeune servante en détresse qui est délivrée par le prince y est complètement remodelée et modernisée. Une dimension féministe qui fait plaisir à voir.
Comme pour Danielle, le prince charmant est rendu plus complexe que dans le conte. Henry est un prince qui ne supporte pas son statut et les choix qui lui sont opposés. Sa rencontre avec Danielle va remettre son existence et ses ambitions en question. C'est cet élément que j'aime dans la relation entre Danielle et Henry, Danielle le pousse à être la meilleure version de lui-même. Elle lui ouvre les yeux sur la condition des gens qui sont moins privilégiés que lui.
❝You have everything, and still the world holds no joy; and yet you insist on making fun of those who would see it for its possibilities.❞ - Danielle
Qui dit Cendrillon, dit également méchante belle-mère. Interprétée par l'extraordinaire Anjelica Huston, Rodmilla de Gent est une femme avide de pouvoir qui souhaite à tout prix voir sa fille Marguerite mariée au prince de France. Dans le conte, la belle-mère déteste Cendrillon à cause de sa beauté, cependant, dans le film, une autre raison est suggérée: Rodmilla éprouve de la rancœur envers sa belle-fille car les derniers mots d'Auguste, son mari et le père de Danielle, ont été pour cette dernière et non pour elle alors qu'elle était également présente. Au lieu d'avoir deux méchantes demi-sœurs, ce qui semble un peu forcé et manichéen, seule Marguerite a un comportement antagoniste envers Danielle tandis que Jacqueline est plus douce et plus aimable. Jacqueline est interprétée par Melanie Lynskey, qui est juste géniale et qu'on ne voit d'ailleurs pas assez sur nos écrans.
Bien que le film soit exempt de toute magie, la figure de la marraine la bonne fée est ici remplacé par nul autre que Leonardo da Vinci (Patrick Godfrey), qui aidera autant Danielle et Henry. On retrouve également au casting Judy Parfitt et Timothy West dans les rôles de la Reine Marie et du Roi François (Francis en VO). D’ailleurs, bien que le contexte de l'histoire se déroule au XVIe siècle en France, EVER AFTER est historiquement inexact au niveau des dates et le film se contente seulement d'emprunter des noms de personnalités historiques. On n'oublie pas aussi la présence de Jeanne Moreau, qui incarne une femme du XIXe siècle qui tient à raconter la véritable histoire de Cendrillon aux Frères Grimm.
Que serait un film sans sa musique. La bande originale est signée par George Fenton, à qui on doit les musiques de Les Liaisons Dangereuses ou encore Un jour sans fin. La musique est en parfaite osmose avec le film et elle est tout simplement magnifique et frissonnante.
Le trope de la meilleure amie qui en pince secrètement pour son meilleur tandis que ce dernier en est complètement inconscient a été vu un peu partout et c’est plus ou moins l’histoire de Secret Admirer. Premier long-métrage de David Greenwalt (qui travaillera plus tard sur les séries Buffy contres les vampires, Angel et Grimm), Secret Admirer (ou Une amie qui vous veut du bien en version française), contient deux intrigues: Toni (Lori Loughlin) est amoureuse de son meilleur ami Michael (C. Thomas Howell), tandis que lui est amoureux de Debbie (Kelly Prescott), la fille plus populaire du lycée.
SECRET ADMIRER est le teen-movie classique, il n'a rien d’extraordinaire et ne se démarque pas vraiment dans le genre. C. Thomas Howell (notamment connu pour son rôle de Ponyboy dans Outsiders de Francis F. Coppola) incarne ici le protagoniste principal, Michael. Michael n'a pas vraiment de substance et est un personnage type qu'on retrouve dans tous les teen-movies. Heureusement, Toni est un personnage un peu mieux construit, qui est certes amoureux de son meilleur ami, mais elle n'est pas non plus à ses pieds et possède un fort caractère.
Toni est donc secrètement amoureuse de son meilleur ami Michael, tandis que lui est épris de Déborah, la fille la plus populaire du lycée. À travers une lettre anonyme, Toni décide de lui déclarer sa flamme. Michael la reçoit mais il est persuadé qu'elle provient de Debbie et décide de lui répondre tout en demandant à Toni de jouer les entremetteuses. Elle accepte et va même jusqu'à réécrire secrètement les lettres de Michael, les jugeant trop ringardes. En lisant les lettres, Debbie tombe sous le charme et se met en couple avec Michael. Les problèmes commencent quand une des lettres enflammées tombe entre les mains de Lou, le père de Debbie. Il pense alors que sa femme Elizabeth a un amant. Cette même lettre sera lu par George, le père de Michael, car la lettre se trouve dans un bouquin qu'Elizabeth, sa prof du soir, lui a prêté. Il pense alors qu'elle veut entamer une liaison avec lui. Tout ceci va engendrer des quiproquos assez drôles et semer la zizanie au sein des deux couples.
Secret Admirer, lettres d'amour et quiproquos amoureux.
Le trope de la meilleure amie qui en pince secrètement pour son meilleur tandis que ce dernier en est complètement inconscient a été vu un peu partout et c’est plus ou moins l’histoire de Secret Admirer. Premier long-métrage de David Greenwalt (qui travaillera plus tard sur les séries Buffy contres les vampires, Angel et Grimm), Secret Admirer (ou Une amie qui vous veut du bien en version française), contient deux intrigues: Toni (Lori Loughlin) est amoureuse de son meilleur ami Michael (C. Thomas Howell), tandis que lui est amoureux de Debbie (Kelly Prescott), la fille plus populaire du lycée.
SECRET ADMIRER est le teen-movie classique, il n'a rien d’extraordinaire et ne se démarque pas vraiment dans le genre. C. Thomas Howell (notamment connu pour son rôle de Ponyboy dans Outsiders de Francis F. Coppola) incarne ici le protagoniste principal, Michael. Michael n'a pas vraiment de substance et est un personnage type qu'on retrouve dans tous les teen-movies. Heureusement, Toni est un personnage un peu mieux construit, qui est certes amoureux de son meilleur ami, mais elle n'est pas non plus à ses pieds et possède un fort caractère.
Toni est donc secrètement amoureuse de son meilleur ami Michael, tandis que lui est épris de Déborah, la fille la plus populaire du lycée. À travers une lettre anonyme, Toni décide de lui déclarer sa flamme. Michael la reçoit mais il est persuadé qu'elle provient de Debbie et décide de lui répondre tout en demandant à Toni de jouer les entremetteuses. Elle accepte et va même jusqu'à réécrire secrètement les lettres de Michael, les jugeant trop ringardes. En lisant les lettres, Debbie tombe sous le charme et se met en couple avec Michael. Les problèmes commencent quand une des lettres enflammées tombe entre les mains de Lou, le père de Debbie. Il pense alors que sa femme Elizabeth a un amant. Cette même lettre sera lu par George, le père de Michael, car la lettre se trouve dans un bouquin qu'Elizabeth, sa prof du soir, lui a prêté. Il pense alors qu'elle veut entamer une liaison avec lui. Tout ceci va engendrer des quiproquos assez drôles et semer la zizanie au sein des deux couples.
L'affaire Parker-Hulme secoua la Nouvelle-Zélande en 1954: Pauline Parker, avec l'aide sa meilleure amie Juliet Hulme, assassine sa propre mère car elle ne voulait plus que les deux jeunes filles se voient. Peter Jackson s'inspire de ce fait divers macabre pour écrire son scénario. Le long-métrage se focalise sur l'amitié des deux adolescentes, de leur rencontre en 1952 jusqu'au meurtre de Honorah Rieper, en juin 54.
Deux jeunes filles à l’imagination débordante
Heavenly Creatures (Créatures Célestes en version française) est le quatrième long-métrage de Peter Jackson et le tout premier film de Kate Winslet et Melanie Lynskey, qui ont alors 18 et 16 ans au moment du tournage. Le film se focalise davantage sur l'amitié des jeunes filles plutôt que le meurtre lui-même. A l'époque des faits, Pauline Parker et Juliet Hulme ont été perçu comme des monstres dont le geste était incompréhensible et le long-métrage tend à redonner un aspect humain à ces deux personnes. HEAVENLY CREATURES demeure puissant grace à la performance des deux jeunes actrices, qui sont tout simplement impressionnantes.Au-delà de nous montrer l'intense amitié qui liait les deux jeunes filles, le long-métrage nous plonge également dans leur univers. Avides d'imagination, Pauline et Juliet avaient inventé un monde imaginaire, Borovnia ainsi que ceux qui y peuplent, alors représentés par des figurines en plasticine (une sorte de pâte à modeler) que les deux jeunes femmes avaient pour habitude de sculpter. Elles iront même plus loin en assumant parfois l'identité des personnages de leur histoire, notamment par correspondance. Borovnia évolue tout au long du film et alors que c'est un endroit féerique et joyeux au début du film, vers la fin, il est dépeint avec beaucoup de violence et de luxure. Ce monde était un moyen d'échapper à leur déplaisante réalité.
Une amitié fusionnelle ou une relation saphique ?
L'amitié entre Pauline et Juliet est très intense et porte parfois à croire que leur amitié cachait quelque chose de plus fort. Le vrai journal de Pauline indique que les deux jeunes filles ont eu des rapports sexuels, tandis qu’Anne Perry, le nouveau nom de Juliet Hulme, a toujours affirmé le contraire. Au vu de la vive imagination des jeunes filles à l'époque, les écrits de Pauline peuvent perdre leur crédibilité. Dans le film, la nature de leur relation pose problème à leurs parents, qui voient d'un mauvais œil leur relation aussi passionnelle. Pauline est également soupçonnée d'être lesbienne, considéré comme une maladie mentale à l'époque. Leur relation est dépeinte comme ambiguë, elles s'échangent des baisers innocents, partagent un bain ensemble et vient ensuite une scène où elles ont vraisemblablement un rapport intime, mais en s'imaginant alors coucher avec les personnages qu'elles ont créés.
Avec HEAVENLY CREATURES, Peter Jackson réalise un long-métrage superbe, à la fois poétique et dérangeant. Il partage ainsi un portrait plus neutre et humain de deux jeunes femmes qui ont vécu une relation amicale fusionnelle, ce qui les a mené, de peur d'être séparées, à commettre un acte monstrueux. Cela en devient ironique: elles ont tué la mère de Pauline pour pouvoir rester ensemble et ont tout de même fini par être séparées. Pauline Parker et Juliet Hulme furent condamnées à 5 ans de prison et ne se sont pas revues depuis. Tandis que Pauline Parker vit dans un parfait anonymat, Juliet Hulme est devenue Anne Perry, une autrice renommée de romans policiers.
❝Only the best people fight against all obstacles in pursuit of happiness.❞ - Juliet Hulme
Avec HEAVENLY CREATURES, Peter Jackson réalise un long-métrage superbe, à la fois poétique et dérangeant. Il partage ainsi un portrait plus neutre et humain de deux jeunes femmes qui ont vécu une relation amicale fusionnelle, ce qui les a mené, de peur d'être séparées, à commettre un acte monstrueux. Cela en devient ironique: elles ont tué la mère de Pauline pour pouvoir rester ensemble et ont tout de même fini par être séparées. Pauline Parker et Juliet Hulme furent condamnées à 5 ans de prison et ne se sont pas revues depuis. Tandis que Pauline Parker vit dans un parfait anonymat, Juliet Hulme est devenue Anne Perry, une autrice renommée de romans policiers.
Heavenly Creatures, l'histoire d'une amitié passionnelle qui mena au tragique
L'affaire Parker-Hulme secoua la Nouvelle-Zélande en 1954: Pauline Parker, avec l'aide sa meilleure amie Juliet Hulme, assassine sa propre mère car elle ne voulait plus que les deux jeunes filles se voient. Peter Jackson s'inspire de ce fait divers macabre pour écrire son scénario. Le long-métrage se focalise sur l'amitié des deux adolescentes, de leur rencontre en 1952 jusqu'au meurtre de Honorah Rieper, en juin 54.
Deux jeunes filles à l’imagination débordante
Heavenly Creatures (Créatures Célestes en version française) est le quatrième long-métrage de Peter Jackson et le tout premier film de Kate Winslet et Melanie Lynskey, qui ont alors 18 et 16 ans au moment du tournage. Le film se focalise davantage sur l'amitié des jeunes filles plutôt que le meurtre lui-même. A l'époque des faits, Pauline Parker et Juliet Hulme ont été perçu comme des monstres dont le geste était incompréhensible et le long-métrage tend à redonner un aspect humain à ces deux personnes. HEAVENLY CREATURES demeure puissant grace à la performance des deux jeunes actrices, qui sont tout simplement impressionnantes.Au-delà de nous montrer l'intense amitié qui liait les deux jeunes filles, le long-métrage nous plonge également dans leur univers. Avides d'imagination, Pauline et Juliet avaient inventé un monde imaginaire, Borovnia ainsi que ceux qui y peuplent, alors représentés par des figurines en plasticine (une sorte de pâte à modeler) que les deux jeunes femmes avaient pour habitude de sculpter. Elles iront même plus loin en assumant parfois l'identité des personnages de leur histoire, notamment par correspondance. Borovnia évolue tout au long du film et alors que c'est un endroit féerique et joyeux au début du film, vers la fin, il est dépeint avec beaucoup de violence et de luxure. Ce monde était un moyen d'échapper à leur déplaisante réalité.
Une amitié fusionnelle ou une relation saphique ?
L'amitié entre Pauline et Juliet est très intense et porte parfois à croire que leur amitié cachait quelque chose de plus fort. Le vrai journal de Pauline indique que les deux jeunes filles ont eu des rapports sexuels, tandis qu’Anne Perry, le nouveau nom de Juliet Hulme, a toujours affirmé le contraire. Au vu de la vive imagination des jeunes filles à l'époque, les écrits de Pauline peuvent perdre leur crédibilité. Dans le film, la nature de leur relation pose problème à leurs parents, qui voient d'un mauvais œil leur relation aussi passionnelle. Pauline est également soupçonnée d'être lesbienne, considéré comme une maladie mentale à l'époque. Leur relation est dépeinte comme ambiguë, elles s'échangent des baisers innocents, partagent un bain ensemble et vient ensuite une scène où elles ont vraisemblablement un rapport intime, mais en s'imaginant alors coucher avec les personnages qu'elles ont créés.
Avec HEAVENLY CREATURES, Peter Jackson réalise un long-métrage superbe, à la fois poétique et dérangeant. Il partage ainsi un portrait plus neutre et humain de deux jeunes femmes qui ont vécu une relation amicale fusionnelle, ce qui les a mené, de peur d'être séparées, à commettre un acte monstrueux. Cela en devient ironique: elles ont tué la mère de Pauline pour pouvoir rester ensemble et ont tout de même fini par être séparées. Pauline Parker et Juliet Hulme furent condamnées à 5 ans de prison et ne se sont pas revues depuis. Tandis que Pauline Parker vit dans un parfait anonymat, Juliet Hulme est devenue Anne Perry, une autrice renommée de romans policiers.
❝Only the best people fight against all obstacles in pursuit of happiness.❞ - Juliet Hulme
Avec HEAVENLY CREATURES, Peter Jackson réalise un long-métrage superbe, à la fois poétique et dérangeant. Il partage ainsi un portrait plus neutre et humain de deux jeunes femmes qui ont vécu une relation amicale fusionnelle, ce qui les a mené, de peur d'être séparées, à commettre un acte monstrueux. Cela en devient ironique: elles ont tué la mère de Pauline pour pouvoir rester ensemble et ont tout de même fini par être séparées. Pauline Parker et Juliet Hulme furent condamnées à 5 ans de prison et ne se sont pas revues depuis. Tandis que Pauline Parker vit dans un parfait anonymat, Juliet Hulme est devenue Anne Perry, une autrice renommée de romans policiers.
De nombreux films ont marqué ma jeunesse et Muriel's Wedding est bien l'un d'entre eux. Si je me souviens bien, c’est ma sœur qui m’a fait découvrir ce film et je ne regrette pas cette découverte. Long-métrage réalisé par PJ Hogan, peut-être davantage connu pour les films Le Mariage de mon meilleur ami (1997) et Peter Pan (2003), on y suit Muriel (Toni Colette), une jeune femme qui est un peu le vilain petit canard de sa famille et qui vit dans une médiocre ville balnéaire australienne, Porpoise Spit. Muriel n’a pas vraiment d’amis et a du mal à se faire accepter des autres, jusqu’au jour où elle se lie d'amitié avec Rhonda (Rachel Griffiths) et qu’elles décident toutes les deux de partir pour Sydney. Une nouvelle vie commence alors pour Muriel.
Muriel, un personnage incroyablement humain
Ce film apporte une véritable bouffée de fraîcheur, rythmée par les chansons iconiques du groupe ABBA. Muriel est une comédie dramatique qui comporte ses moments drôles et légers mais aussi des scènes plus lourdes en émotions, notamment dans la deuxième partie du film. MURIEL'S WEDDING est le genre de film qui fait plaisir à voir puisqu'on y retrouve un personnage principal authentique auquel il est facile de s'attacher et s'identifier. Somptueusement interprétée par Toni Colette, qui était encore peu connue à l'époque, Muriel est une jeune femme qui n'a pas un physique qui correspond aux diktats de la beauté mais ça ne l’empêche pas d'être une personne enjouée avec la tête pleine de rêves (principalement celui de se marier), bien qu'au fond, cela cache un certain mal-être. Muriel n’est en effet pas acceptée des autres et elle va donc décider de partir et de se réinventer. Se faisant désormais appelé Mariel, elle tente plus que tout de se libérer de son ancienne identité. Muriel est le genre de protagoniste que j'aimerais voir plus souvent dans un film ou bien une série, et même si elle ne fait pas tout le temps des choix judicieux, on ne peut que aimer ce personnage qui finira par grandir par rapport aux choix qu'elle a pu faire. Rhonda, interprétée par Rachel Griffith, est également un personnage incroyable et l'amie dont Muriel avait désespérément besoin. Elle se révèle être une amie fun et qui ne juge pas, contrairement à l'ancien cercle "d'amies" de Muriel.Les éléments plus dramatiques de l'histoire tournent surtout autour de la famille de Muriel. Sa fratrie est une bande de bons à rien, son père, Bill, est un politicien véreux qui se contrefout de sa famille et il y a Betty, sa mère qui donne tout pour sa famille mais qui est malgré tout dénigrée par ses enfants mais surtout par son mari. Betty, interprété par Jeanie Drynan, est le personnage qui nous fait le plus mal au cœur car c'est une personne mentalement fragile, qui est cependant toujours là pour sa famille mais qui n'a rien en retour. Ce personnage, malgré qu'il ne soit pas souvent à l'écran, détient malgré tout une place important dans le dénouement du film.❝But since I've met you and moved to Sydney, I haven't listened to one ABBA song. That's because my life is as good as an ABBA song. It's as good as Dancing Queen.❞ - Muriel Heslop
Alors, on regarde ou pas ?
Malgré que le film soit sorti en 1994, il n'a pas vraiment vieilli et au vu des thèmes qu'il aborde, reste plutôt actuel. De plus, le long-métrage est sans prétention mais se révèle plus profond qu'il n'y parait au premier abord. Au final, Muriel's Wedding est un film aussi drôle que touchant et qui véhicule l'idée qu'il faut pouvoir s'accepter tel qu'on est.Muriel's Wedding, une comédie dramatique rafraîchissante et poignante.
De nombreux films ont marqué ma jeunesse et Muriel's Wedding est bien l'un d'entre eux. Si je me souviens bien, c’est ma sœur qui m’a fait découvrir ce film et je ne regrette pas cette découverte. Long-métrage réalisé par PJ Hogan, peut-être davantage connu pour les films Le Mariage de mon meilleur ami (1997) et Peter Pan (2003), on y suit Muriel (Toni Colette), une jeune femme qui est un peu le vilain petit canard de sa famille et qui vit dans une médiocre ville balnéaire australienne, Porpoise Spit. Muriel n’a pas vraiment d’amis et a du mal à se faire accepter des autres, jusqu’au jour où elle se lie d'amitié avec Rhonda (Rachel Griffiths) et qu’elles décident toutes les deux de partir pour Sydney. Une nouvelle vie commence alors pour Muriel.
Muriel, un personnage incroyablement humain
Ce film apporte une véritable bouffée de fraîcheur, rythmée par les chansons iconiques du groupe ABBA. Muriel est une comédie dramatique qui comporte ses moments drôles et légers mais aussi des scènes plus lourdes en émotions, notamment dans la deuxième partie du film. MURIEL'S WEDDING est le genre de film qui fait plaisir à voir puisqu'on y retrouve un personnage principal authentique auquel il est facile de s'attacher et s'identifier. Somptueusement interprétée par Toni Colette, qui était encore peu connue à l'époque, Muriel est une jeune femme qui n'a pas un physique qui correspond aux diktats de la beauté mais ça ne l’empêche pas d'être une personne enjouée avec la tête pleine de rêves (principalement celui de se marier), bien qu'au fond, cela cache un certain mal-être. Muriel n’est en effet pas acceptée des autres et elle va donc décider de partir et de se réinventer. Se faisant désormais appelé Mariel, elle tente plus que tout de se libérer de son ancienne identité. Muriel est le genre de protagoniste que j'aimerais voir plus souvent dans un film ou bien une série, et même si elle ne fait pas tout le temps des choix judicieux, on ne peut que aimer ce personnage qui finira par grandir par rapport aux choix qu'elle a pu faire. Rhonda, interprétée par Rachel Griffith, est également un personnage incroyable et l'amie dont Muriel avait désespérément besoin. Elle se révèle être une amie fun et qui ne juge pas, contrairement à l'ancien cercle "d'amies" de Muriel.Les éléments plus dramatiques de l'histoire tournent surtout autour de la famille de Muriel. Sa fratrie est une bande de bons à rien, son père, Bill, est un politicien véreux qui se contrefout de sa famille et il y a Betty, sa mère qui donne tout pour sa famille mais qui est malgré tout dénigrée par ses enfants mais surtout par son mari. Betty, interprété par Jeanie Drynan, est le personnage qui nous fait le plus mal au cœur car c'est une personne mentalement fragile, qui est cependant toujours là pour sa famille mais qui n'a rien en retour. Ce personnage, malgré qu'il ne soit pas souvent à l'écran, détient malgré tout une place important dans le dénouement du film.❝But since I've met you and moved to Sydney, I haven't listened to one ABBA song. That's because my life is as good as an ABBA song. It's as good as Dancing Queen.❞ - Muriel Heslop
Alors, on regarde ou pas ?
Malgré que le film soit sorti en 1994, il n'a pas vraiment vieilli et au vu des thèmes qu'il aborde, reste plutôt actuel. De plus, le long-métrage est sans prétention mais se révèle plus profond qu'il n'y parait au premier abord. Au final, Muriel's Wedding est un film aussi drôle que touchant et qui véhicule l'idée qu'il faut pouvoir s'accepter tel qu'on est.
Porté par l’actrice Melanie Griffith, qui connut sa petite heure de gloire pendant les années 80, et réalisé par Mike Nichols, WORKING GIRL évoque la place de la femme dans le monde du travail et illustre parfaitement cette image de l’american yuppie (terme american inventé dans les années 80 pour décrire une personne ambitieuse et sans scrupules dans le monde du travail) mais surtout de ce qu'on peut obtenir quand on a de l'ambition.
WORKING GIRL suit Tess McGill, jeune femme de la classe ouvrière qui travaille dans une banque d’investissement de Wall Street en tant que secrétaire d’un courtier. Alors qu’elle pense se rendre à un entretien, elle se rend compte qu’elle s’est fait piéger par son patron, qui lui a fixé un rendez-vous arrangé avec un collègue sniffeur de cocaïne, ce qui l’amènera à utiliser le bandeau déroulant pour insulter son patron. Tess se voit donc mutée dans un autre service et devient la secrétaire d’une nouvelle dirigeante, Katharine Parker, incarné par Sigourney Weaver. Katharine semble être une patronne sympathique et à l’écoute des idées de Tess. C’est donc avec stupeur que Tess découvre plus tard que Katharine s’apprêtait à lui voler une de ses idées en la faisant passer pour la sienne. Tess va profiter de absence de Katharine pour se faire passer pour une dirigeante et mener ainsi à bout son idée.
Sous fond de comédie romantique, WORKING GIRL est véritablement une comédie de mœurs qui montre la place de la femme dans le monde de la corporate jungle, chose plutôt rare à l'époque et qui montre également ce qu'est l'american dream. Tess, à force d’ambition, va réussir à s’élever dans le monde du travail et incarne l’image de la self-made woman, elle qui vient de la classe ouvrière et qui a réussi à avoir son diplôme en allant à des cours du soir. Il est tout de même dommage de voir au final l’affrontement de deux femmes ambitieuses car quand bien même Katharine était sur le point de voler l’idée de Tess, Tess quant à elle usurpe en quelque sorte l’identité de Katharine en essayant de changer sa façon de parler pour que son phrasée ressemble à celui de Katharine et en lui piquant ses vêtements chics. D'ailleurs, le fait que Tess change de style s’appelle du power dressing, un courant de mode vestimentaire qui connut son apogée dans les années 80 et qui consiste à avoir un style vestimentaire qui permet aux femmes d'établir leur autorité dans un milieu de travail traditionnellement dominé par les hommes. Il s’avère tout de même que Tess est un personnage beaucoup plus intègre que celui de Katharine puisqu'elle arrive à monter les échelons grâce à ses idées et non avec celles des autres. La romance entre Jack Trainer, incarné par Harrison Ford, et Tess ne prend pas le pas sur l’intrigue principale, ce qui est appréciable. Malgré que le film soit sorti il y a 31 ans, le message qu’il veut faire passer reste d’actualité et établi qu'avec de l'ambition, on peut réussir.
WORKING GIRL est un film qu’on prend plaisir à voir et qu’on attend d’avoir quand on parle de comédie des 80s. Melanie Griffith y délivre une performance convaincante, Tess est une jeune femme ambitieuse, intelligente et prête à tout pour réussir et Griffitth est tout simplement brillante dans ce rôle. Sigourney Weaver est aussi parfaite dans son rôle de femme puissante antagoniste et sans scrupule tandis qu’Harrison Ford est intéressant dans un rôle de golden boy, ce qui l’éloigne un peu de son image de l’époque avec les rôles de Han Solo et Indiana Jones. Les rôles secondaires sont également à saluer avec Joan Cusack dans le rôle de la meilleure amie fantasque ainsi que Alec Baldwin dans le rôle du compagnon bad-boy. L'histoire est tellement bien menée et les personnages si bien interprétés que le long-métrage fut nommé pour de nombreuses récompenses dont l'Oscar du meilleur film en 1988 tandis que Melanie Griffith fut nommé pour l'Oscar de la Meilleur Actrice. WORKING GIRL est un must see qui semble avoir été quelque peu oublié avec le temps et c'est bien dommage tant le film raconte une histoire pertinente, un peu conte de fée certes, mais ancré dans une réalité plus vraie que nature.
Working Girl, une comédie (romantique) dans la corporate jungle.
Porté par l’actrice Melanie Griffith, qui connut sa petite heure de gloire pendant les années 80, et réalisé par Mike Nichols, WORKING GIRL évoque la place de la femme dans le monde du travail et illustre parfaitement cette image de l’american yuppie (terme american inventé dans les années 80 pour décrire une personne ambitieuse et sans scrupules dans le monde du travail) mais surtout de ce qu'on peut obtenir quand on a de l'ambition.
WORKING GIRL suit Tess McGill, jeune femme de la classe ouvrière qui travaille dans une banque d’investissement de Wall Street en tant que secrétaire d’un courtier. Alors qu’elle pense se rendre à un entretien, elle se rend compte qu’elle s’est fait piéger par son patron, qui lui a fixé un rendez-vous arrangé avec un collègue sniffeur de cocaïne, ce qui l’amènera à utiliser le bandeau déroulant pour insulter son patron. Tess se voit donc mutée dans un autre service et devient la secrétaire d’une nouvelle dirigeante, Katharine Parker, incarné par Sigourney Weaver. Katharine semble être une patronne sympathique et à l’écoute des idées de Tess. C’est donc avec stupeur que Tess découvre plus tard que Katharine s’apprêtait à lui voler une de ses idées en la faisant passer pour la sienne. Tess va profiter de absence de Katharine pour se faire passer pour une dirigeante et mener ainsi à bout son idée.
Sous fond de comédie romantique, WORKING GIRL est véritablement une comédie de mœurs qui montre la place de la femme dans le monde de la corporate jungle, chose plutôt rare à l'époque et qui montre également ce qu'est l'american dream. Tess, à force d’ambition, va réussir à s’élever dans le monde du travail et incarne l’image de la self-made woman, elle qui vient de la classe ouvrière et qui a réussi à avoir son diplôme en allant à des cours du soir. Il est tout de même dommage de voir au final l’affrontement de deux femmes ambitieuses car quand bien même Katharine était sur le point de voler l’idée de Tess, Tess quant à elle usurpe en quelque sorte l’identité de Katharine en essayant de changer sa façon de parler pour que son phrasée ressemble à celui de Katharine et en lui piquant ses vêtements chics. D'ailleurs, le fait que Tess change de style s’appelle du power dressing, un courant de mode vestimentaire qui connut son apogée dans les années 80 et qui consiste à avoir un style vestimentaire qui permet aux femmes d'établir leur autorité dans un milieu de travail traditionnellement dominé par les hommes. Il s’avère tout de même que Tess est un personnage beaucoup plus intègre que celui de Katharine puisqu'elle arrive à monter les échelons grâce à ses idées et non avec celles des autres. La romance entre Jack Trainer, incarné par Harrison Ford, et Tess ne prend pas le pas sur l’intrigue principale, ce qui est appréciable. Malgré que le film soit sorti il y a 31 ans, le message qu’il veut faire passer reste d’actualité et établi qu'avec de l'ambition, on peut réussir.
WORKING GIRL est un film qu’on prend plaisir à voir et qu’on attend d’avoir quand on parle de comédie des 80s. Melanie Griffith y délivre une performance convaincante, Tess est une jeune femme ambitieuse, intelligente et prête à tout pour réussir et Griffitth est tout simplement brillante dans ce rôle. Sigourney Weaver est aussi parfaite dans son rôle de femme puissante antagoniste et sans scrupule tandis qu’Harrison Ford est intéressant dans un rôle de golden boy, ce qui l’éloigne un peu de son image de l’époque avec les rôles de Han Solo et Indiana Jones. Les rôles secondaires sont également à saluer avec Joan Cusack dans le rôle de la meilleure amie fantasque ainsi que Alec Baldwin dans le rôle du compagnon bad-boy. L'histoire est tellement bien menée et les personnages si bien interprétés que le long-métrage fut nommé pour de nombreuses récompenses dont l'Oscar du meilleur film en 1988 tandis que Melanie Griffith fut nommé pour l'Oscar de la Meilleur Actrice. WORKING GIRL est un must see qui semble avoir été quelque peu oublié avec le temps et c'est bien dommage tant le film raconte une histoire pertinente, un peu conte de fée certes, mais ancré dans une réalité plus vraie que nature.
BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE (ou L’Excellente Aventure de Bill et Ted en VF) est une comédie américaine réalisé en 1989 par Stephen Herek et dont le scénario fut écrit par Chris Matheson et Ed Solomon (on doit à ce dernier le scénario de Men in Black). L’histoire se déroule en 1988, à San Dimas, en Californie, où deux jeunes cancres, Bill et Ted, qui rêvent de monter un groupe de rock (alors qu’ils jouent très mal), vont se retrouver à voyager dans le temps pour trouver des personnalités historiques pour les aider à faire leur devoir d’histoire.
BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE était sur ma liste de film à voir pendant un long moment mais je n’étais pas plus emballée que ça à le regarder. Malgré son statut de film culte, ce long-métrage semblait être en effet trop loufoque à mon goût et ça n’a pas loupé, le film est loufoque et d’un point de vue scénaristique, ça ne vole pas bien haut mais contre toute attente, j’ai fini par apprécier ce long-métrage. Porté par Keanu Reeves et Alex Winter, qui interprètent respectivement Ted et Bill, les deux acteurs sont vraiment convaincants et même si leurs personnages sont un peu idiots, ils n’en restent pas moins attachants et les deux acteurs forment un duo qui fonctionne à l’écran.
“Be excellent to each other!” – William “Bill” S. Preston, Esq.
Je ne vais rien vous cacher, l’histoire est un peu sens dessus dessous, l’enjeu du film est un peu faiblard et le thème du voyage dans le temps arrive un peu comme un cheveu sur la soupe et pourtant, moi qui suis plutôt à cheval en ce qui concerne les voyages temporels, ça ne m’a pas dérangé avec BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE car le film assume totalement son côté loufoque. La machine à voyager dans le temps se présente sous forme de cabine téléphonique, ce qui m’a tout de suite fait penser au TARDIS dans Doctor Who. Le film ne dure qu’une heure et demi, ça se regarde donc assez vite et c’est vraiment drôle et toute la comédie est vraiment apporté par les deux personnages, notamment dans leur attitude et leur façon de s’exprimer. Selon moi, c'est davantage les personnages qui font que le film est bien, plus que l'histoire elle-même. Sur une autre note, la musique du film est plutôt sympa et j'ai tout de suite accroché avec une chanson en particulier, In Time de Robbie Robb.
Je suis d'avis que le film ne plaira pas à tout le monde mais le seul moyen de se faire un avis, c'est de commencer le film, vous saurez dès les premiers minutes si BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE est fait pour vous. Je pensais ne pas accrocher et j'ai pourtant bien aimé le film, qui a pour seul but, à mon avis, d'amuser la galerie et ça fonctionne plutôt bien. J'ai tenté de regarder la suite, Bill & Ted's Bogus Journey mais j'ai décroché au bout de 40min, je n'étais pas assez à fond dedans donc j'ai préféré arrêter. Un troisième film est prévu pour 2020, toujours avec Keanu Reeves et Alex Winter et je reste plutôt sceptique, les suites qui se font 30 ans après ne sont jamais vraiment convaincantes mais je demande quand même à voir.
Alors on regarde ou pas?
Bill & Ted’s Excellent Adventure, ou le voyage temporel pour contrer l'échec scolaire.
BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE (ou L’Excellente Aventure de Bill et Ted en VF) est une comédie américaine réalisé en 1989 par Stephen Herek et dont le scénario fut écrit par Chris Matheson et Ed Solomon (on doit à ce dernier le scénario de Men in Black). L’histoire se déroule en 1988, à San Dimas, en Californie, où deux jeunes cancres, Bill et Ted, qui rêvent de monter un groupe de rock (alors qu’ils jouent très mal), vont se retrouver à voyager dans le temps pour trouver des personnalités historiques pour les aider à faire leur devoir d’histoire.
BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE était sur ma liste de film à voir pendant un long moment mais je n’étais pas plus emballée que ça à le regarder. Malgré son statut de film culte, ce long-métrage semblait être en effet trop loufoque à mon goût et ça n’a pas loupé, le film est loufoque et d’un point de vue scénaristique, ça ne vole pas bien haut mais contre toute attente, j’ai fini par apprécier ce long-métrage. Porté par Keanu Reeves et Alex Winter, qui interprètent respectivement Ted et Bill, les deux acteurs sont vraiment convaincants et même si leurs personnages sont un peu idiots, ils n’en restent pas moins attachants et les deux acteurs forment un duo qui fonctionne à l’écran.
“Be excellent to each other!” – William “Bill” S. Preston, Esq.
Je ne vais rien vous cacher, l’histoire est un peu sens dessus dessous, l’enjeu du film est un peu faiblard et le thème du voyage dans le temps arrive un peu comme un cheveu sur la soupe et pourtant, moi qui suis plutôt à cheval en ce qui concerne les voyages temporels, ça ne m’a pas dérangé avec BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE car le film assume totalement son côté loufoque. La machine à voyager dans le temps se présente sous forme de cabine téléphonique, ce qui m’a tout de suite fait penser au TARDIS dans Doctor Who. Le film ne dure qu’une heure et demi, ça se regarde donc assez vite et c’est vraiment drôle et toute la comédie est vraiment apporté par les deux personnages, notamment dans leur attitude et leur façon de s’exprimer. Selon moi, c'est davantage les personnages qui font que le film est bien, plus que l'histoire elle-même. Sur une autre note, la musique du film est plutôt sympa et j'ai tout de suite accroché avec une chanson en particulier, In Time de Robbie Robb.
Je suis d'avis que le film ne plaira pas à tout le monde mais le seul moyen de se faire un avis, c'est de commencer le film, vous saurez dès les premiers minutes si BILL & TED’s EXCELLENT ADVENTURE est fait pour vous. Je pensais ne pas accrocher et j'ai pourtant bien aimé le film, qui a pour seul but, à mon avis, d'amuser la galerie et ça fonctionne plutôt bien. J'ai tenté de regarder la suite, Bill & Ted's Bogus Journey mais j'ai décroché au bout de 40min, je n'étais pas assez à fond dedans donc j'ai préféré arrêter. Un troisième film est prévu pour 2020, toujours avec Keanu Reeves et Alex Winter et je reste plutôt sceptique, les suites qui se font 30 ans après ne sont jamais vraiment convaincantes mais je demande quand même à voir.
Alors on regarde ou pas?
Never Been Kissed réalisé par Raja Gosnell (1999)
Never Been Kissed (connu aussi sous son horrible titre français College Attitude) est un des meilleurs films romantiques (aux allures de teen-movie) de la fin des années 90. On y retrouve une Drew Barrymore dans le rôle de Josie, jeune journaliste qui va se retrouver sous couverture dans un lycée. Elle va au début y revivre ses angoisses d'adolescente, mais finira par s’intégrer grâce à l'intervention de son frère, interprété par David Arquette, qui lui aussi se fera passer pour un lycéen pour pouvoir revivre sa gloire d'antan de joueur de baseball. Josie a donc l'opportunité de revivre sa dernière année de lycée, mais en beaucoup mieux. De plus et contre toute attente, Josie va finir par tomber amoureuse de son prof de littérature, interprété par Michael Vartan. J'adore ce film, c'est frais, drôle et touchant et Drew Barrymore est juste superbe dans son rôle de jeune adulte qui ne s'assume pas et je me suis d'ailleurs parfois reconnue dans son personnage. Never Been Kissed est un film feel-good à regarder sans modération.
[ÉDIT : De part certains éléments de l'intrigue, Never Been Kissed se révèle être un film assez problématique et je suis maintenant très mitigée à son sujet.]
My Best Friend's Wedding réalisé par P. J. Hogan (1997)
Cette comédie romantique a bercé mon enfance/adolescence. Le préférant largement à Pretty Woman (qui ne sera d'ailleurs pas dans cette liste), j'aime beaucoup l'histoire de My Best Friend’s Wedding qui sort des codes de la comédie romantique classique : le personnage principal, Julianne, va essayer de saboter le mariage de son meilleur ami, pour qui elle a des sentiments. Julia Roberts interprète un personnage vraiment humain, loin d'être parfaite, parfois même agaçante, mais d'un côté, on ne peut que la trouver touchante. Ce film me plait également, car il y a un happy-end mais pas forcément celui auquel on s'attend, ce qui fait que My Best Friend’s Wedding reste assez unique dans le genre de la comédie romantique. On aime également ce film pour sa scène culte du restaurant. En tout cas, c'est sûr et certain, je le regarderai le soir de la Saint-Valentin, car ça fait un petit moment que je ne l'ai pas vu.
You've Got Mail réalisé par Nora Ephron (1998)
J'ai fini de regarder ce film ce matin et même si ce ne fut pas un coup de cœur (je dirais que le film est un peu trop long), je l'ai tout de même préféré à Sleepless in Seattle, aussi avec Tom Hanks et Meg Ryan en tête d'affiche. You’ve Got Mail suit Kathleen Kelly et Joe Fox qui correspondent par mails sans connaître les détails de la vie personnelle de l'autre. Kathleen est gérante d'une librairie indépendante tandis que Joe appartient à la famille Fox qui gère Fox Books, une graine chaîne de librairies. Ils ne s'apprécient pas dans la vraie vie, mais correspondent en ligne sans connaitre leur identité respective. C'est sympa à regarder même si je trouve que la relation entre Joe et Kathleen évolue trop rapidement vers la fin du film. Cela reste divertissant, mais je l'avoue, ce n'est pas la meilleure rom-com qui soit et je préfère largement un autre long-métrage de Nora Ephron, When Harry Met Sally.
10 Things I Hate About You réalisé par Gil Junger (1999)
Teen movie incontournable des 90s, 10 Things I Hate About You est tout simplement un must à voir. Adaptation moderne et très libre de la pièce de théâtre La Mégère apprivoisée de William Shakespeare, le film suit Cameron, un nouvel élève au lycée de Padua qui tombe tout de suite sous le charme de Bianca. Cependant, Bianca à un père très strict et elle ne peut sortir qu'avec quelqu'un que si sa sœur Kat fait de même. Malheureusement, il y a très peu de chance que ça arrive à cause du comportement asocial de cette dernière. Avec son ami Michael, Cameron élabore un plan pour trouver un garçon qui pourrait éventuellement sortir avec Kat et trouve le candidat parfait en la personne de Patrick, le rebelle du lycée. Ce film est drôle, doux et intemporel et le couple formé par Julia Stiles et Heath Ledger est tout simplement adorable sans être niais. Je ne peux que conseiller ce film et attention, il y a le risque de sourire niaisement devant cette scène et d'avoir la larme à l’œil à la fin du film...
J'espère que cette sélection vous aura plu et dites-moi quels sont vos comédies romantiques préférés (si vous en avez) !
Sélection de rom-coms des années 90
Never Been Kissed réalisé par Raja Gosnell (1999)
Never Been Kissed (connu aussi sous son horrible titre français College Attitude) est un des meilleurs films romantiques (aux allures de teen-movie) de la fin des années 90. On y retrouve une Drew Barrymore dans le rôle de Josie, jeune journaliste qui va se retrouver sous couverture dans un lycée. Elle va au début y revivre ses angoisses d'adolescente, mais finira par s’intégrer grâce à l'intervention de son frère, interprété par David Arquette, qui lui aussi se fera passer pour un lycéen pour pouvoir revivre sa gloire d'antan de joueur de baseball. Josie a donc l'opportunité de revivre sa dernière année de lycée, mais en beaucoup mieux. De plus et contre toute attente, Josie va finir par tomber amoureuse de son prof de littérature, interprété par Michael Vartan. J'adore ce film, c'est frais, drôle et touchant et Drew Barrymore est juste superbe dans son rôle de jeune adulte qui ne s'assume pas et je me suis d'ailleurs parfois reconnue dans son personnage. Never Been Kissed est un film feel-good à regarder sans modération.
[ÉDIT : De part certains éléments de l'intrigue, Never Been Kissed se révèle être un film assez problématique et je suis maintenant très mitigée à son sujet.]
My Best Friend's Wedding réalisé par P. J. Hogan (1997)
Cette comédie romantique a bercé mon enfance/adolescence. Le préférant largement à Pretty Woman (qui ne sera d'ailleurs pas dans cette liste), j'aime beaucoup l'histoire de My Best Friend’s Wedding qui sort des codes de la comédie romantique classique : le personnage principal, Julianne, va essayer de saboter le mariage de son meilleur ami, pour qui elle a des sentiments. Julia Roberts interprète un personnage vraiment humain, loin d'être parfaite, parfois même agaçante, mais d'un côté, on ne peut que la trouver touchante. Ce film me plait également, car il y a un happy-end mais pas forcément celui auquel on s'attend, ce qui fait que My Best Friend’s Wedding reste assez unique dans le genre de la comédie romantique. On aime également ce film pour sa scène culte du restaurant. En tout cas, c'est sûr et certain, je le regarderai le soir de la Saint-Valentin, car ça fait un petit moment que je ne l'ai pas vu.
You've Got Mail réalisé par Nora Ephron (1998)
J'ai fini de regarder ce film ce matin et même si ce ne fut pas un coup de cœur (je dirais que le film est un peu trop long), je l'ai tout de même préféré à Sleepless in Seattle, aussi avec Tom Hanks et Meg Ryan en tête d'affiche. You’ve Got Mail suit Kathleen Kelly et Joe Fox qui correspondent par mails sans connaître les détails de la vie personnelle de l'autre. Kathleen est gérante d'une librairie indépendante tandis que Joe appartient à la famille Fox qui gère Fox Books, une graine chaîne de librairies. Ils ne s'apprécient pas dans la vraie vie, mais correspondent en ligne sans connaitre leur identité respective. C'est sympa à regarder même si je trouve que la relation entre Joe et Kathleen évolue trop rapidement vers la fin du film. Cela reste divertissant, mais je l'avoue, ce n'est pas la meilleure rom-com qui soit et je préfère largement un autre long-métrage de Nora Ephron, When Harry Met Sally.
10 Things I Hate About You réalisé par Gil Junger (1999)
Teen movie incontournable des 90s, 10 Things I Hate About You est tout simplement un must à voir. Adaptation moderne et très libre de la pièce de théâtre La Mégère apprivoisée de William Shakespeare, le film suit Cameron, un nouvel élève au lycée de Padua qui tombe tout de suite sous le charme de Bianca. Cependant, Bianca à un père très strict et elle ne peut sortir qu'avec quelqu'un que si sa sœur Kat fait de même. Malheureusement, il y a très peu de chance que ça arrive à cause du comportement asocial de cette dernière. Avec son ami Michael, Cameron élabore un plan pour trouver un garçon qui pourrait éventuellement sortir avec Kat et trouve le candidat parfait en la personne de Patrick, le rebelle du lycée. Ce film est drôle, doux et intemporel et le couple formé par Julia Stiles et Heath Ledger est tout simplement adorable sans être niais. Je ne peux que conseiller ce film et attention, il y a le risque de sourire niaisement devant cette scène et d'avoir la larme à l’œil à la fin du film...
J'espère que cette sélection vous aura plu et dites-moi quels sont vos comédies romantiques préférés (si vous en avez) !
Une chose à savoir sur moi est que j'adore les teen movies, notamment ceux de John Hughes, qui est connu pour avoir écrit et réalisé des teen-movies réalistes et plein d’honnêteté. Pourtant, un film de ce réalisateur est loin d'être en accord avec cette vision et ce film, c'est SIXTEEN CANDLES (Seize bougies pour Sam). Entre blagues racistes et culture du viol, ce film est globalement problématique, de plus, l'histoire n'est pas vraiment divertissante. Du plus loin que je me souvienne, même plus jeune, je n'arrivais pas à apprécier ce film, mais je ne savais pas vraiment pourquoi. C'est en vieillissant que je me suis rendue compte que ce film contenait des propos problématiques : entre blagues racistes, propos sexistes et culture du viol, SIXTEEN CANDLES est loin d'être un film romantique tout mignon et tout rose. Je vais donc vous expliquer en quoi ce film tient des propos inquiétants.
Des personnages globalement antipathiques
Le personnage principal, Sam, est interprété par Molly Ringwald, qu'on retrouve également dans The Breakfast Club et Pretty in Pink. Sam est l'adolescente timide typique, elle n'est pas populaire, mais n'est pas un souffre douleur pour autant. Sam est amoureuse de Jake Ryan (Michael Schoeffling), le garçon le plus populaire du lycée. Et, alors que Jake a déjà une copine, il va commencer à être intéressé par Sam, comme par magie, juste parce qu'il a remarqué qu'elle le regardait assez souvent. Jake incarne le cliché du mec populaire habituel, sans aucune personnalité et qui attire les filles sans problème, alors qu'au fond, il est tout simplement une coquille vide. De plus, le mec court plus ou moins après Sam alors qu’il a déjà une copine... Un des pires personnages est malheureusement incarné par Anthony Michael Hall, que j'adore dans The Breakfast Club. Dans Sixteen Candles, il incarne Ted, un nerd obsédé par Sam et c'est simple, ce personnage mériterait des baffes à chaque fois qu'il apparaît à l'écran. Il drague Sam alors qu'il est évident qu'elle n'est pas intéressée, mais lui ne semble pas comprendre et au final, tout le long du film, on le voit en permanence harceler sexuellement Sam (exemple ici).
(D'ailleurs, on retiendra également l’utilisation du mot fag dans la bouche de Sam...)
Sixteen Candles, une histoire d'amour en carton
La fin du film, bien que devenue culte, est d'un ridicule. Doit-on vraiment trouver ça romantique que Sam et Jake s'embrassent et finissent vraisemblablement ensemble alors qu'ils ne se connaissent pas du tout et qu'ils n'échangent que quelques phrases en l'espace d'1h40 de film ? Non, je ne crois pas. Sam pense être amoureuse de Jake, mais au fond, elle ne le connait pas et je pense qu'elle est amoureuse de l'image qu'il dégage, c'est un simple crush et rien de plus. Jake, concrètement, s’intéresse seulement à Sam, car il a remarqué qu'elle le regardait avec amour. Il dit alors vouloir une relation plus sérieuse avec une personne qui serait vraiment amoureuse de lui. Il veut donc une relation différente de celle qu'il entretient avec sa copine actuelle, Caroline (Haviland Morris), qui elle dégage une image de party girl et dont la relation semble reposé uniquement sur le sexe. Cette histoire ne vend pas du rêve, loin de là. Pour tout vous dire, même moi qui ne suis pas fan de l'histoire d'amour entre Blane et Andy dans Pretty in Pink, elle est déjà beaucoup plus vendeuse que celle présente dans Sixteen Candles. De plus, ça renvoie l'image que les filles sont de vulgaires objets qu'on peut changer (ou s’échanger) sans contrainte... Et bon sang, comment peut-on trouver Jake attirant et parfait au vu de son attitude envers sa copine Caroline ?
Racisme, sexisme et culture du viol
Il faut être honnête, Sixteen Candles est loin d'être le seul film des années 80 à faire usage de blagues racistes et/ou de stéréotypes (la journaliste Hadley Freeman l’explique plutôt bien dans un chapitre de son livre) mais c'est tout de même un élément de ce film que je me dois de souligner. Dans le film, Long Duk Dong (interprété par Gedde Watanabe, qui est Nippo-Américain) est un jeune asiatique en échange étudiant. Le personnage a été très mal reçu par la communauté asiatique aux Etats-Unis et je les comprends. Son personnage est sans cesse tourné en ridicule et au moment où il apparaît à l'écran ou qu'on mentionne son nom, on peut entendre le son d'un gong. Encore aujourd'hui, le personnage est considéré comme l'un des stéréotypes asiatiques les plus offensants que Hollywood ait jamais donnés à l'Amérique.
Autre sujet problématique de ce film : le sexisme mais plus exactement la culture du viol. Vers un peu plus de la moitié du film, Jake et Ted ont une conversation autour d'un verre et vient alors la réplique la plus immonde qu'on peut trouver dans un film de John Hughes : I can get a piece of ass any time I want. Shit, I got Caroline in the bedroom right now, passed out cold. I could violate her ten different ways if I wanted to. avec Ted qui répond: What are you waiting for? Vous pouvez voir par vous-même à quel point cet échange est ignoble et même si les années 80 sont bien différentes de notre époque actuelle (obviously) je me demande comment ça n'a pas pu faire polémique à l'époque tellement ce genre de propos est dérangeant et ne fait qu’amplifier la culture du viol. La scène suivante est tout aussi dérangeante : Jake veut Sam et il veut donc se débarrasser de Caroline, qui est alors pratiquement au bord du coma éthylique. Jake demande donc à Ted de la ramener chez elle et lui dit de s'amuser un peu, insinuant alors qu'il peut coucher avec elle, alors que Caroline n'est pas en l’état de donner son consentement. Le mieux est que je vous montre ladite scène. Cette scène rend mal à l'aise et le pire est à venir: Ted et Caroline vont finir par coucher ensemble mais aucun des deux n'en ont le souvenir... C'est glauque et malaisant, vraiment!
Le plus ahurissant dans cette histoire, c'est que cette scène ne semble pas vraiment déranger. Cette scène est disponible sur YouTube et quand on lit les commentaires, c'est affligeant. On donne des excuses aux personnages : il ne font que discuter, ils sont jeunes, ils ne font rien de mal, sauf que rien le fait d'en discuter, d'en faire une éventualité reste grave. Je conçois que le contexte dans les années 80 soit différent de celui dans lequel nous nous trouvons aujourd'hui, ce qui fait qu'au final, Sixteen Candles est un film qui a vraiment mal vieilli et qui n'a pas cet aspect intemporel que peut avoir The Breakfast Club. Au final, selon moi, Sixteen Candles est un film qui, avec les années et les mœurs qui ont changé, est tout simplement devenu impossible à regarder. On se demande comment John Hughes, qui a écrit le sublime et intemporel Breakfast Club ou le très fun Ferris Bueller's Day Off, a pu écrire un film aussi creux et peu divertissant...
Bref, j'ai re-regardé ce film dans le but d'en écrire une critique, mais ça sera probablement la dernière fois que je regarderai Sixteen Candles. Rien ne peut être sauver dans ce film, mis à part peut-être la scène entre Sam et son père que ne durent malheureusement que quelques minutes. Je vous invite également à lire cet article que Molly Ringwald a écrit pour le New Yorker où elle parle des films The Breakfast Club et Sixteen Candles par rapport au mouvement #MeToo.
Bref, j'ai re-regardé ce film dans le but d'en écrire une critique, mais ça sera probablement la dernière fois que je regarderai Sixteen Candles. Rien ne peut être sauver dans ce film, mis à part peut-être la scène entre Sam et son père que ne durent malheureusement que quelques minutes. Je vous invite également à lire cet article que Molly Ringwald a écrit pour le New Yorker où elle parle des films The Breakfast Club et Sixteen Candles par rapport au mouvement #MeToo.
Avez-vous déjà vu Sixteen Candles ? Si oui, aviez-vous remarqué ces propos dérangeants véhiculés par le film ?
Pourquoi Sixteen Candles, entre culture du viol et propos racistes, est un teen-movie problématique ?
Une chose à savoir sur moi est que j'adore les teen movies, notamment ceux de John Hughes, qui est connu pour avoir écrit et réalisé des teen-movies réalistes et plein d’honnêteté. Pourtant, un film de ce réalisateur est loin d'être en accord avec cette vision et ce film, c'est SIXTEEN CANDLES (Seize bougies pour Sam). Entre blagues racistes et culture du viol, ce film est globalement problématique, de plus, l'histoire n'est pas vraiment divertissante. Du plus loin que je me souvienne, même plus jeune, je n'arrivais pas à apprécier ce film, mais je ne savais pas vraiment pourquoi. C'est en vieillissant que je me suis rendue compte que ce film contenait des propos problématiques : entre blagues racistes, propos sexistes et culture du viol, SIXTEEN CANDLES est loin d'être un film romantique tout mignon et tout rose. Je vais donc vous expliquer en quoi ce film tient des propos inquiétants.
Des personnages globalement antipathiques
Le personnage principal, Sam, est interprété par Molly Ringwald, qu'on retrouve également dans The Breakfast Club et Pretty in Pink. Sam est l'adolescente timide typique, elle n'est pas populaire, mais n'est pas un souffre douleur pour autant. Sam est amoureuse de Jake Ryan (Michael Schoeffling), le garçon le plus populaire du lycée. Et, alors que Jake a déjà une copine, il va commencer à être intéressé par Sam, comme par magie, juste parce qu'il a remarqué qu'elle le regardait assez souvent. Jake incarne le cliché du mec populaire habituel, sans aucune personnalité et qui attire les filles sans problème, alors qu'au fond, il est tout simplement une coquille vide. De plus, le mec court plus ou moins après Sam alors qu’il a déjà une copine... Un des pires personnages est malheureusement incarné par Anthony Michael Hall, que j'adore dans The Breakfast Club. Dans Sixteen Candles, il incarne Ted, un nerd obsédé par Sam et c'est simple, ce personnage mériterait des baffes à chaque fois qu'il apparaît à l'écran. Il drague Sam alors qu'il est évident qu'elle n'est pas intéressée, mais lui ne semble pas comprendre et au final, tout le long du film, on le voit en permanence harceler sexuellement Sam (exemple ici).
(D'ailleurs, on retiendra également l’utilisation du mot fag dans la bouche de Sam...)
Sixteen Candles, une histoire d'amour en carton
La fin du film, bien que devenue culte, est d'un ridicule. Doit-on vraiment trouver ça romantique que Sam et Jake s'embrassent et finissent vraisemblablement ensemble alors qu'ils ne se connaissent pas du tout et qu'ils n'échangent que quelques phrases en l'espace d'1h40 de film ? Non, je ne crois pas. Sam pense être amoureuse de Jake, mais au fond, elle ne le connait pas et je pense qu'elle est amoureuse de l'image qu'il dégage, c'est un simple crush et rien de plus. Jake, concrètement, s’intéresse seulement à Sam, car il a remarqué qu'elle le regardait avec amour. Il dit alors vouloir une relation plus sérieuse avec une personne qui serait vraiment amoureuse de lui. Il veut donc une relation différente de celle qu'il entretient avec sa copine actuelle, Caroline (Haviland Morris), qui elle dégage une image de party girl et dont la relation semble reposé uniquement sur le sexe. Cette histoire ne vend pas du rêve, loin de là. Pour tout vous dire, même moi qui ne suis pas fan de l'histoire d'amour entre Blane et Andy dans Pretty in Pink, elle est déjà beaucoup plus vendeuse que celle présente dans Sixteen Candles. De plus, ça renvoie l'image que les filles sont de vulgaires objets qu'on peut changer (ou s’échanger) sans contrainte... Et bon sang, comment peut-on trouver Jake attirant et parfait au vu de son attitude envers sa copine Caroline ?
Racisme, sexisme et culture du viol
Il faut être honnête, Sixteen Candles est loin d'être le seul film des années 80 à faire usage de blagues racistes et/ou de stéréotypes (la journaliste Hadley Freeman l’explique plutôt bien dans un chapitre de son livre) mais c'est tout de même un élément de ce film que je me dois de souligner. Dans le film, Long Duk Dong (interprété par Gedde Watanabe, qui est Nippo-Américain) est un jeune asiatique en échange étudiant. Le personnage a été très mal reçu par la communauté asiatique aux Etats-Unis et je les comprends. Son personnage est sans cesse tourné en ridicule et au moment où il apparaît à l'écran ou qu'on mentionne son nom, on peut entendre le son d'un gong. Encore aujourd'hui, le personnage est considéré comme l'un des stéréotypes asiatiques les plus offensants que Hollywood ait jamais donnés à l'Amérique.
Autre sujet problématique de ce film : le sexisme mais plus exactement la culture du viol. Vers un peu plus de la moitié du film, Jake et Ted ont une conversation autour d'un verre et vient alors la réplique la plus immonde qu'on peut trouver dans un film de John Hughes : I can get a piece of ass any time I want. Shit, I got Caroline in the bedroom right now, passed out cold. I could violate her ten different ways if I wanted to. avec Ted qui répond: What are you waiting for? Vous pouvez voir par vous-même à quel point cet échange est ignoble et même si les années 80 sont bien différentes de notre époque actuelle (obviously) je me demande comment ça n'a pas pu faire polémique à l'époque tellement ce genre de propos est dérangeant et ne fait qu’amplifier la culture du viol. La scène suivante est tout aussi dérangeante : Jake veut Sam et il veut donc se débarrasser de Caroline, qui est alors pratiquement au bord du coma éthylique. Jake demande donc à Ted de la ramener chez elle et lui dit de s'amuser un peu, insinuant alors qu'il peut coucher avec elle, alors que Caroline n'est pas en l’état de donner son consentement. Le mieux est que je vous montre ladite scène. Cette scène rend mal à l'aise et le pire est à venir: Ted et Caroline vont finir par coucher ensemble mais aucun des deux n'en ont le souvenir... C'est glauque et malaisant, vraiment!
Le plus ahurissant dans cette histoire, c'est que cette scène ne semble pas vraiment déranger. Cette scène est disponible sur YouTube et quand on lit les commentaires, c'est affligeant. On donne des excuses aux personnages : il ne font que discuter, ils sont jeunes, ils ne font rien de mal, sauf que rien le fait d'en discuter, d'en faire une éventualité reste grave. Je conçois que le contexte dans les années 80 soit différent de celui dans lequel nous nous trouvons aujourd'hui, ce qui fait qu'au final, Sixteen Candles est un film qui a vraiment mal vieilli et qui n'a pas cet aspect intemporel que peut avoir The Breakfast Club. Au final, selon moi, Sixteen Candles est un film qui, avec les années et les mœurs qui ont changé, est tout simplement devenu impossible à regarder. On se demande comment John Hughes, qui a écrit le sublime et intemporel Breakfast Club ou le très fun Ferris Bueller's Day Off, a pu écrire un film aussi creux et peu divertissant...
Bref, j'ai re-regardé ce film dans le but d'en écrire une critique, mais ça sera probablement la dernière fois que je regarderai Sixteen Candles. Rien ne peut être sauver dans ce film, mis à part peut-être la scène entre Sam et son père que ne durent malheureusement que quelques minutes. Je vous invite également à lire cet article que Molly Ringwald a écrit pour le New Yorker où elle parle des films The Breakfast Club et Sixteen Candles par rapport au mouvement #MeToo.
Bref, j'ai re-regardé ce film dans le but d'en écrire une critique, mais ça sera probablement la dernière fois que je regarderai Sixteen Candles. Rien ne peut être sauver dans ce film, mis à part peut-être la scène entre Sam et son père que ne durent malheureusement que quelques minutes. Je vous invite également à lire cet article que Molly Ringwald a écrit pour le New Yorker où elle parle des films The Breakfast Club et Sixteen Candles par rapport au mouvement #MeToo.
Avez-vous déjà vu Sixteen Candles ? Si oui, aviez-vous remarqué ces propos dérangeants véhiculés par le film ?
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